“Turpentine This House” è un brano alternative rock acustico e ricco di pathos dei Love Ghost; è il secondo singolo che anticipa il loro prossimo album, Thirteen, in uscita a novembre. Scritta all’indomani dell’incendio Eaton — che costrinse la famiglia del frontman ad abbandonare la propria casa — la canzone esplora i temi della perdita, dello sradicamento e della sensazione complessa che si prova nel vedere svanire il luogo che un tempo si chiamava casa. Fondendo la scrittura cruda tipica dell’emo con la grinta e l’intimità del rock americano del Midwest, “Turpentine This House” appare al contempo profondamente personale e capace di risuonare con l’esperienza di chiunque. Il brano è caratterizzato da una strumentazione essenziale, un’interpretazione vocale carica di emozione ed una narrazione introspettiva.

“Pointless” racconta la storia di un viaggio dell’eroe con un risvolto inaspettato: l’antagonista non è una forza esterna, bensì il protagonista stesso. Il brano esplora la battaglia interiore legata alla depressione, il confronto con la propria mente e, infine, il rifiuto delle aspettative sociali a favore di una vita autentica. Nel profondo, “Pointless” parla della consapevolezza che, a volte, la battaglia più dura non è contro il mondo, ma contro quella versione di sé che il mondo ci ha insegnato a diventare. La canzone ripercorre quel cammino che va dall’isolamento e dall’insicurezza verso l’accettazione di sé, interrogandosi su cosa significhi davvero essere l’eroe della propria storia. Il testo cattura questa tensione con versi come: “Ogni strada porta a Roma / Immagino sia ora di tornare a casa / Ma nessuno ti dice mai / Che ogni eroe deve combattere da solo”.

Link video “Turpentine This House” : https://www.youtube.com/watch?v=RjD5P7LN7EI

Link video “Pointless:” https://www.youtube.com/watch?v=4ao63vYfSJM

Link streaming Spotify “Turpentine This House” e “Pointless” : https://open.spotify.com/intl-it/album/1Zt85DbaNF41kpUbqLM5MU

Biografia:

I Love Ghost sono una band alternative rock che fonde hard rock, metal, pop-punk, sonorità acustiche, rap e goth in uno stile unico e personale. I loro brani possiedono un’anima poetica ed emo, affrontando spesso di petto temi quali i traumi e le sfide legate alla salute mentale. Selezionati per il programma Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in quattro continenti. Nel 2025 hanno suonato al Warped Tour di Los Angeles insieme ai Wiplash. In Messico hanno collaborato con artisti quali Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri ancora.

A livello internazionale, hanno lavorato con The Skinner Brothers (Regno Unito) e Rico Nasty, oltre a realizzare un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto riconoscimenti e menzioni da testate come Rolling Stone Magazine (oltre dieci volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash Magazine, Alternative Press e molte altre. In Messico hanno vinto il Monster Award 2026 come miglior band rock. Hanno recentemente concluso il loro tour da headliner “Anarchy and Ashes”, esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito; inoltre, tengono frequentemente concerti in tutto il Messico.

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Carlos Matrone presenta “Come il vento”, singolo in distribuzione con Mendaki Publishing di Orangle Records, chesegna una nuova tappa del suo percorso musicale. Un progetto che si inserisce in una ricerca artistica cresciuta tra dan-za, scrittura e canto, con il palco come luogo d’incontro tra queste diverse forme espressive.
Ballerino professionista, cantante, autore e performer, Matrone ha trovato nella danza il suo primo linguaggio. Nel tem-po, la musica ha ampliato il suo modo di raccontarsi, affiancando al movimento la voce e la scrittura. “Come il vento”accompagna questa evoluzione e apre una nuova fase del suo lavoro, orientata alla realizzazione di un nuovo album.
Il percorso discografico prende forma nel 2018 con le prime registrazioni di “Vintage”. Nel 2019 arriva “Bandito”, pri-mo album composto da nove brani, seguito da altre pubblicazioni che contribuiscono a delineare la sua identità musica-le.
Alla produzione in studio si affianca l’esperienza dal vivo. Nel corso del suo percorso, Carlos Matrone ha aperto con-certi di artisti come Franco Ricciardi, Ivano Granatino e Osmany Garcia, portando sul palco una formazione in cui inter-pretazione musicale e consapevolezza del corpo si alimentano reciprocamente.
La dimensione internazionale nasce anche dal suo lavoro nella danza e nell’insegnamento, che lo ha portato in città co-me New York, Londra, Liverpool, Gran Canaria e Kyiv. Esperienze che arricchiscono un profilo artistico trasversale,costruito attraverso il confronto con pubblici e contesti differenti.
Con “Come il vento”, Carlos Matrone prosegue questo cammino e consolida il dialogo tra le diverse anime del suo pro-getto: la disciplina del ballerino, la sensibilità dell’autore e l’espressività del cantante.

CONTATTI MANAGEMENT

Francesco Catania — Artist Manager / International A&RWhatsApp: +39 329 446 1603
CANALE YOUTUBE - https://www.youtube.com/carlosmatrone

Dopo Rimanere Soli, Perché la Pace e Figli del nostro tempo, Silvia In Blues prosegue il proprio percorso artistico con “Your Lovely Smile”, un brano dedicato alla bellezza autentica delle persone e al segno profondo che possono lasciare nella nostra vita.

Più che raccontare la nostalgia per qualcuno, la canzone invita a riconoscere il valore degli incontri che ci hanno cambiato. Alcune persone, infatti, continuano a vivere dentro di noi attraverso ciò che ci hanno trasmesso, diventando parte del nostro modo di guardare il presente e di affrontare il futuro.

Il sorriso evocato dal titolo non appartiene necessariamente a un volto preciso. Diventa piuttosto il simbolo di tutto ciò che una persona può lasciare in chi ha avuto la fortuna di incontrarla: intelligenza, sensibilità, eleganza, entusiasmo e quella luce particolare che, anche nel tempo, continua a illuminare il cammino.

Anche il videoclip segue questa prospettiva narrativa. Fotografie, oggetti e frammenti di memoria compongono un racconto volutamente aperto, senza una storia definita, lasciando a ogni spettatore la possibilità di riconoscervi la propria esperienza. Il ricordo non viene rappresentato come un luogo in cui fermarsi, ma come una presenza viva capace di dialogare con il presente e di continuare a ispirarlo.

Al centro di “Your Lovely Smile” c’è la gratitudine. La memoria diventa il linguaggio attraverso cui il racconto prende forma, ma lo sguardo della canzone è rivolto in avanti. Perché alcune persone continuano a vivere non soltanto nei nostri ricordi, ma nei valori, nella sensibilità e nella bellezza che hanno contribuito a lasciare dentro di noi.

Musicalmente, il brano accompagna questo percorso con eleganza, delicatezza e luminosità. La melodia, il pianoforte e l’interpretazione vocale di Silvia Morelli costruiscono un’atmosfera intima e armoniosa, nella quale ogni elemento contribuisce a trasmettere emozione, speranza e autenticità.

Con “Your Lovely Smile” (Etichetta discografica 42 MHz Music Records), Silvia In Blues conferma un’identità artistica profondamente orientata alla persona e alle relazioni umane, trasformando la musica in uno spazio di ascolto, riflessione e condivisione.

Un brano che parla di memoria senza indulgere nella nostalgia, di assenza senza trasformarla in vuoto e, soprattutto, della capacità delle persone di continuare a vivere attraverso ciò che hanno saputo donare.

“Le persone più importanti non vivono soltanto nei nostri ricordi. Continuano a vivere nella parte migliore di ciò che siamo diventati.”

Videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=cuZ4Ku9whQw

Biografia

Silvia In Blues nasce dall’incontro tra la voce di Silvia Morelli e la chitarra di Luigi Giovanni Ricci, autore e compositore. Un progetto essenziale nella formazione – voce e chitarra – ma sorprendentemente ricco nella resa sonora, capace di alternare raffinatezza e intimità a momenti di maggiore energia e coinvolgimento. La voce calda e profondamente interpretativa di Silvia incontra la chitarra di Luigi Giovanni Ricci, che unisce anima blues e tecnica fingerstyle, dando vita a un’identità musicale personale e riconoscibile. Il loro è un viaggio acustico attraverso blues, soul, folk, country, rock’n’roll, rock blues e musica italiana d’autore, nel quale le reinterpretazioni di brani che hanno attraversato la storia della musica internazionale convivono con le composizioni originali del duo. Sul palco, Silvia In Blues alterna intensità, eleganza, ritmo e narrazione, costruendo una relazione diretta con il pubblico. Le canzoni non sono semplicemente eseguite, ma diventano parte di un racconto che attraversa artisti, epoche e storie, lasciando spazio alle emozioni e ai temi che caratterizzano anche la produzione originale. La musica di Silvia In Blues nasce infatti dal desiderio di raccontare l’essere umano nelle sue fragilità, nelle sue domande e nella sua continua ricerca di speranza. Relazioni umane, solitudine, pace, memoria e gratitudine diventano fili conduttori di un percorso artistico nel quale ogni canzone può trasformarsi in uno spazio di ascolto, riflessione e condivisione.

Il percorso artistico

Nel corso del 2026, questo percorso si sviluppa parallelamente attraverso la produzione discografica e un’intensa attività dal vivo. Con “Rimanere Soli”, Silvia In Blues ottiene diffusione radiofonica nazionale e presenze nelle classifiche indipendenti, arrivando alle Finali Regionali Lombardia di Sanremo Rock & Trend. Il duo partecipa inoltre alle selezioni di Una Voce per l’Europa e presenta “Perché la Pace” a Voci per la Libertà – Una Canzone per Amnesty. A questi brani si affianca “Figli del nostro tempo”, che prosegue la ricerca del duo sui temi umani e sociali, con uno sguardo rivolto alle nuove generazioni e al tempo presente. Parallelamente, Silvia In Blues porta la propria musica in festival, rassegne, club e manifestazioni culturali. Tra le esperienze più significative figurano la collaborazione con Hard Rock Cafe Milano, la partecipazione all’Open Mic del Porretta Soul Festival, alla Rossese Experience Week e al Castagnola Rock, insieme a numerosi altri appuntamenti che contribuiscono a consolidare una dimensione live fondata sull’incontro e sul dialogo con il pubblico.

Instagram: https://www.instagram.com/silvia_inblues

Spotify: https://open.spotify.com/artist/4skiKNC5Mbl70DxdV3n4El

Press Kit Digitale e Link Ufficiali: https://beacons.ai/silviainblues

Un’esplosiva contaminazione “napolatina” accompagna un messaggio di ribellione contro la violenza di genere, gli abusi e ogni forma di sopraffazione.
Dal 9 ottobre 2026 disponibile su tutte le piattaforme digitali. LAZZARO, nome d’arte di Monica Sannino, artista italo-rumena, torna sulla scena musicale con “Pam Pam”, un singolo che segna una profonda trasformazione della sua identità sonora e artistica.
Al centro della nuova proposta musicale si incontrano influenze apparentemente distanti: le sonorità dei corridos tumbados messicani, le suggestioni del manele rumeno e le pulsazioni dell’urban contemporaneo. Il risultato è una contaminazione originale, un folk popolare esplosivo che Lazzaro definisce “napolatino”, capace di unire culture, tradizioni e linguaggi musicali differenti.
Ma dietro il ritmo coinvolgente e le sonorità accattivanti di “Pam Pam” si sviluppa un racconto intenso, affidato a un testo in dialetto napoletano che diventa espressione viscerale di ribellione contro le disparità di genere e la violenza sulle donne.
La pistola evocata nel brano non rappresenta un’esaltazione della violenza, ma una metafora simbolica di resistenza e opposizione alla sopraffazione. Un’immagine provocatoria attraverso cui Lazzaro dà voce a una società ferita, che rifiuta ogni forma di abuso, violenza sessuale, umiliazione e discriminazione.
La forza interpretativa e la vocalità intensa dell’artista accompagnano questo messaggio, trasformando “Pam Pam” in una dichiarazione di libertà personale e autodeterminazione. Il brano ambisce così a diventare un inno per chi rivendica il diritto di vivere senza paura, libero da qualsiasi forma di prevaricazione: una presa di posizione che si estende oltre la violenza di genere, abbracciando la tutela delle persone più vulnerabili, dai bambini agli anziani, fino al rispetto per gli
animali.
Con “Pam Pam”, Lazzaro dimostra come la musica popolare possa rinnovarsi attraverso la contaminazione internazionale, mantenendo una forte identità territoriale e diventando, al tempo stesso, uno strumento di denuncia sociale.

CONTATTI STAMPA E INTERVISTE
LAZZARO / PAM PAM / COMUNICATO STAMPA 2
Francesco Catania · Artist Management
Email: frakatania@gmail.com

“Revenge Obsession” è il singolo con cui i Graphite si sono aggiudicati il primo posto al Teatro Ariston di Sanremo nell’edizione 2026 di Sanremo Rock & Trend – categoria Rock. Un brano esplosivo e diretto, che racconta il male che finisce per ritorcersi contro chi lo compie, attraverso un sound potente e incisivo, senza rinunciare a stile e ricerca sonora.

I Graphite sono una band alternative rock di Milano che ha scelto di spingersi oltre gli schemi tradizionali, puntando tutto sull’essenzialità di basso, voce e batteria. Il progetto nasce dall’intuizione del bassista Michele Cartisano, che trasforma il basso in un elemento centrale e fortemente espressivo, alla ricerca di nuove soluzioni sonore insieme alla voce di Andrea Romano. Entrambi sperimentano con gli effetti, sostenuti dalle ritmiche potenti e musicali del batterista Simone Barracchia.

Il risultato è un sound personale e riconoscibile, caratterizzato da grinta, stile e sperimentazione.

Con il motto “Cancelliamo gli schemi per disegnare emozioni”, i Graphite propongono un rock graffiante e testi che invitano a interrogarsi sul senso delle cose, osservando la realtà da prospettive differenti. I loro brani nascono da un’inquietudine di fondo e da una rabbia che si trasforma in voglia di rivalsa.

In un mondo che corre veloce e in cui tutto sembra ruotare attorno ai secondi, la band invita a fermarsi, prendere fiato e guardare oltre la superficie, alla ricerca dell’essenza delle cose. Un messaggio che si traduce nella volontà di ampliare il proprio punto di vista e osservare la realtà attraverso una prospettiva più ampia.

LE ORIGINI DELLA BAND

I Graphite nascono dall’idea del bassista Michele Cartisano, da sempre convinto che il basso possa andare oltre il tradizionale ruolo di accompagnamento e diventare un elemento centrale e fortemente espressivo. Nel gennaio 2024 coinvolge il batterista Simone Barracchia, dando vita a un progetto inizialmente pensato come duo basso-batteria. Dopo una prima esitazione, Simone accetta di riprovarci e, fin dalle prime prove, prende forma una sintonia che porta i due a sviluppare un sound potente e sperimentale.

Con il tempo nasce l’idea di aggiungere una voce. Il terzo elemento è Andrea Romano, cantante con cui Michele aveva già condiviso un’esperienza musicale e che, quasi per una coincidenza, lo contatta proprio mentre è alla ricerca di una nuova band. Nasce così il trio dei Graphite: basso, voce e batteria.

Andrea porta nel progetto grinta e sperimentazione, utilizzando anche effetti vocali che trasformano la voce, in alcuni brani, in una sorta di “terzo strumento”. L’incontro tra le tre personalità definisce l’identità della band: un sound diretto, graffiante e fuori dagli schemi, costruito sull’essenzialità e sulla continua ricerca sonora.

TAPPE PRINCIPALI

Dopo la formazione, i Graphite scrivono 11 brani nell’arco di un anno e iniziano a esibirsi nei locali della provincia di Milano, ottenendo un riscontro sempre caloroso da parte del pubblico.

Tra le principali tappe del percorso della band:

Maggio 2025 – I Graphite conquistano il primo posto al contest “Nipa in Rock”, organizzato dal Rock’n’Roll di Rho, in una competizione che vede circa 30 band partecipanti.

Dicembre 2025 – Terminano le registrazioni in studio dei primi sette brani.

Gennaio 2026 – Esce sulle principali piattaforme digitali “Revenge Obsession”, primo singolo della band: un brano dal sound potente e diretto che racconta il male che si ritorce contro chi lo compie.

Febbraio 2026 – I Graphite vincono il contest organizzato dal Rock on the Road di Desio.

Aprile 2026 – Esce “La City”, caratterizzato da un basso fuori dagli schemi che guida il brano e da un testo dedicato al lato più tossico della città, capace di influenzare corpo e mente.

Giugno 2026 – Arriva “Subway”, il brano più veloce della band, costruito per essere vissuto fisicamente e impossibile da ascoltare restando fermi. Allo stesso tempo, è uno dei pezzi più sperimentali del gruppo, con una struttura e una ricerca sonora particolari: la voce diventa una sorta di “terzo strumento”, mentre il basso si muove con la potenza di un pugno.

Settembre 2026 – I Graphite conquistano la vittoria a Sanremo Rock & Trend 2026 – categoria Rock, imponendosi al Teatro Ariston con “Revenge Obsession” e conquistando pubblico e giuria. L’edizione 2026 del festival ha registrato circa 3.000 candidature provenienti da tutta Italia.

Foto di Francesco Ferrari

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È uscito “Eros e Thanatos”, il nuovo album del cantautore romano Michele Camillò, un progetto di dieci tracce prodotto da Renato Droghetti con la supervisione artistica di Manuel Auteri e Alfonso Oliver, per l’etichetta discografica SanLucaSound.

“Alkimia” è il nuovo singolo estratto e rappresenta una sorta di viaggio astrale: non un trasferimento in un altro mondo, ma un viaggio all’interno di sé. L’autore e interprete, dopo aver raggiunto una forte sofferenza interiore, accompagnata da una dipendenza affettiva nei confronti di una donna (la musa ispiratrice di “Ammesso e non concesso”, di altri brani e del titolo dell’album, ndr), decide finalmente di iniziare un processo alchemico dentro di sé: osservare senza giudizio la propria rabbia, il dolore, la gelosia, la paura e altre sensazioni che lo attanagliano, al fine di poterle trasformare in emozioni spiritualmente elevate. Proprio come l’alchimista trasforma il piombo in oro.

Tutto questo è possibile attraverso la creazione di un testimone, quello che Gurdjieff chiamava “centro di gravità permanente”: un osservatore esterno che guarda da fuori le sofferenze della macchina biologica (il corpo fisico) e trasforma, attraverso l’attrito, le emozioni più basse in emozioni più elevate. Si passa così dalla mente al cuore e si riuniscono e riconnettono le diverse parti della stessa persona: l’anima, il corpo e la mente. In poche parole, l’interprete e autore sottolinea che il mondo esterno non è altro che la proiezione di quello interno e che occorre lavorare su sé stessi al fine di trasformare e migliorare la propria vita.

“Questo album – spiega l’artista- è dedicato a G.M., Marilia Rodrigues Silva a Martins ed ai miei gatti in cielo, Milo, Mia ed Orazio”

TRACKLIST:

1. Ammesso e non concesso

2. Afghanistan

3. Psicocibernetica

4. Boomer

5. A Uberlandia c’è ancora il sole

6. Alkimia

7. Un sogno di 10 anni fa

8. Agorafobia

9. 40 anni

10. Ammesso e non concesso (acoustic version)

Biografia

Michele Camillò (Roma, 7 agosto 1973) è cantautore, chitarrista, scrittore e attore. La sua ricerca artistica nasce dalla musica d’autore e si sviluppa attraverso temi legati alla trasformazione personale, all’amore, alla libertà, alla ricerca interiore e all’impegno sociale.

Inizia a suonare la chitarra a 16 anni grazie al padre, che gli trasmette la passione per la musica degli anni Sessanta e gli insegna i primi accordi. La chitarra, recuperata dal padre da un secchio dell’immondizia e restaurata con le proprie mani, diventa il primo strumento attraverso cui Michele comincia a comporre le sue canzoni.

Parallelamente alla musica, sviluppa una personale attività letteraria: nel 2019 pubblica con PlaceBook Editore il romanzo Lungo le corsie, seguito nel 2022 da La redenzione, storia di riscatto e trasformazione ambientata nel mondo della criminalità organizzata.

Nel 2020 inizia la collaborazione con il produttore discografico Ettore Diliberto, dando vita al suo percorso discografico. Nel 2021 pubblica il primo singolo, Cosa costa un sogno, seguito nel 2022 da Judy non lo sa, che raggiunge l’89° posto della classifica dei cantautori indipendenti.

Negli anni successivi arrivano Voglio stare solo (2023), che raggiunge il 59° posto della classifica indipendenti, e l’album Oltre la zona di comfort, pubblicato nel novembre 2023. Il disco, composto da dodici brani scritti da Camillò e prodotti e arrangiati da Diliberto, rappresenta una dichiarazione di intenti: un invito a superare paure, condizionamenti e abitudini per cercare una vita più autentica. Nel progetto interviene alla slide guitar Matt Backer, musicista che ha collaborato, tra gli altri, con Elton John, Joe Cocker, Sinéad O’Connor e Julian Lennon.

Il percorso live lo porta a condividere il palco con artisti come Gianluca Grignani, Sarah Jane Morris e Alberto Radius, oltre che con le Custodie Cautelari. Nel 2022 partecipa inoltre a Perduto amor, omaggio a Franco Battiato, esibendosi al Castello Sforzesco di Milano e a Collegno.

Nel 2024 entra nella scuderia della SanLucaSound di Bologna, inaugurando un nuovo capitolo della propria produzione con il produttore Renato Droghetti, sotto la supervisione di Alfonso Oliver e Manuel Auteri. Il primo singolo del nuovo percorso, Ammesso e non concesso, pubblicato nel novembre 2024, raggiunge il 12° posto della classifica indipendenti e rimane in classifica per cinque mesi.

Nel 2025 Camillò accentua la dimensione sociale della propria scrittura con A Uberlandia c’è ancora il sole, brano dedicato a una giovane brasiliana vittima di femminicidio e divenuto un messaggio contro la violenza di genere. Seguono Psicocibernetica, dedicato alla trasformazione personale e alla percezione di sé, e Afghanistan, una canzone contro la guerra e ogni forma di sopruso.

Il 3 aprile 2026 pubblica Boomer, un confronto generazionale tra un uomo maturo e un ragazzo di nuova generazione, attraverso il quale Camillò affronta con ironia e spirito critico le differenze di linguaggio, valori e visione del mondo.

Musica e scrittura sono per Michele Camillò due forme complementari di una stessa ricerca: raccontare il cambiamento, mettere in discussione le proprie certezze e trasformare esperienze personali e temi universali in canzoni capaci di parlare al presente.

Multilink: https://linktr.ee/michelecamilloartista

Album: https://ffm.to/41c29eb2dfe10ac6ac1b3c30a5c962016b556225149de8ea

È un disco grunge acustico, dalle sonorità tipiche del Midwest, disco che parla di isolamento, identità e del tentativo di trovare qualcosa di bello anche negli aspetti più cupi della vita. “Sembra una raccolta di ricordi che forse avrei dovuto seppellire”, ci dice ancora Finnegan Bell. Tredici brani in uscita venerdì tredici. “Into The Woods” e “Something in the Water” sono due dei singoli dell’album “Thirteen”.

“Into The Woods” è una metafora della perdita dell’innocenza e della consapevolezza che il mondo non è semplice come si credeva un tempo. Racconta quel momento in cui si oltrepassa un confine e non si può più tornare indietro e all’improvviso l’infanzia appare come qualcosa accaduto a qualcun altro. Prodotto da Mike Summers.

“Something in the Water” è uno dei brani più carichi di emotività dell’album. Affronta il peso dei traumi generazionali in una cittadina intrappolata in un ciclo di dolore ereditato. Esplora un’America dimenticata e il modo in cui dipendenze, depressione, abusi e altre ferite si trasmettono all’interno delle comunità, perpetuando i peccati delle generazioni precedenti. La canzone rappresenta il mio tentativo di fare i conti con quell’oscurità e con le persone che si ritrovano a doverla portare con sé. Prodotto da Mike Summers.

Link per il video di “Into the Woods”: https://www.youtube.com/watch?v=UpEzZSOWGgU

Link streaming: https://open.spotify.com/intl-it/album/7mM6vj3gxyh171vHci95S3

Biografia:

I Love Ghost sono una band alternative rock che fonde hard rock, metal, pop-punk, sonorità acustiche, rap e goth in uno stile unico e personale. I loro brani possiedono un’anima poetica ed emo, affrontando spesso di petto temi come i traumi e le sfide legate alla salute mentale. Selezionati per il Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in quattro continenti. Hanno suonato al Warped Tour di Los Angeles insieme ai Wiplash nel 2025.

In Messico hanno collaborato con artisti quali Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri. A livello internazionale, hanno collaborato con The Skinner Brothers (Regno Unito), Rico Nasty e hanno realizzato un intero album con SKOLD.

Hanno ottenuto riconoscimenti da testate quali Rolling Stone Magazine (in oltre dieci occasioni), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash Magazine, Alternative Press e molte altre. In Messico hanno vinto il Monster Award 2026 come miglior gruppo rock.

Hanno recentemente concluso il loro tour da headliner “Anarchy and Ashes”, esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito. Effettuano inoltre frequenti tournée in tutto il Messico.

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“Sopravvivenza” è un brano elettro-pop dal carattere cantautorale, ironico e pungente, che mette sotto osservazione il nostro rapporto con l’istinto di sopravvivenza. La domanda al centro del brano è semplice ma inquietante: quanto siamo davvero capaci di sopravvivere se il sistema che oggi ci garantisce tutto ciò di cui abbiamo bisogno venisse improvvisamente messo in discussione?

Fabio Cardullo parte da una riflessione sul progressivo allontanamento dell’essere umano dal proprio istinto più primordiale: quello di sopravvivere. Un istinto che oggi sembra essere stato in parte delegato alla grande distribuzione, mentre il rapporto con la natura selvatica del pianeta si fa sempre più complesso e conflittuale. Il brano sviluppa questo contrasto attraverso un linguaggio ironico e surreale.

La produzione musicale nasce dall’incontro tra Fabio Cardullo ed Edoardo Piccolo, che firmano a quattro mani un arrangiamento costruito tra sintetizzatori e programmazioni elettroniche. A completare il suono del brano, il basso di Giacomo Marcante.

Al centro resta la voce di Cardullo, insieme alla Lampion Guitar, la singolare chitarra realizzata dal cantautore recuperando un vecchio lampione stradale.

IL VIDEOCLIP

Il videoclip, prodotto e diretto da Fabio Cardullo con la collaborazione del fotografo Luigi De Frenza, segue la dimensione surreale del brano. Nel video Cardullo irrompe in un supermercato accompagnato da un’orda di cinghiali, prima di ritrovarsi a fuggire da un dinosauro intenzionato, contro ogni logica, a sposarlo. Situazioni surreali e grottesche che amplificano i temi della canzone, mettendo in scena in modo volutamente eccessivo il cortocircuito tra l’essere umano contemporaneo, la natura e il proprio istinto di sopravvivenza.

GUARDA IL VIDEO: https://youtu.be/YnAEpBr7wzo

CURIOSITÀ

Negli ultimi mesi Fabio Cardullo si è fatto riconoscere sul web, e in particolare su Instagram, grazie alle sue parodie goliardiche dedicate al mondo della Formula 1, conquistando l’attenzione del pubblico anche con la sua inseparabile Lampion Guitar. Ora, dopo questa parentesi ironica e virale, il cantautore torna alla sua dimensione musicale con un brano originale: “Sopravvivenza”, nuovo capitolo del suo percorso nella canzone d’autore.

BIOGRAFIA

Fabio Cardullo è un cantautore e chitarrista vicentino, attivo sulla scena musicale da oltre vent’anni. La sua musica unisce canzone d’autore, ironia, sperimentazione e attenzione ai temi sociali e ambientali. Nel 2013 nasce la Lampion Guitar, una singolare chitarra realizzata recuperando un vecchio lampione stradale e altri materiali di riciclo. Lo strumento diventa negli anni il simbolo del suo progetto artistico e di un modo originale di concepire la musica, dove creatività e sostenibilità si incontrano. Autore di diversi album e singoli, tra cui Siepe quadrata, Charles Leclerc, Gli alberi di Istanbul e Truman Show, Cardullo ha ottenuto riconoscimenti in importanti concorsi musicali e ha partecipato a eventi e concerti sul territorio nazionale. Nel 2021 riceve il Premio Omaggio a Rino Gaetano e nel 2023 è ospite di Viva Rai2!, dove presenta a Fiorello la sua Lampion Guitar e il suo progetto musicale legato al riuso. Con la sua inseparabile chitarra-lampione, Fabio Cardullo porta sul palco un’identità artistica immediatamente riconoscibile: una canzone d’autore originale, curiosa e fuori dagli schemi, capace di trasformare oggetti di recupero in strumenti musicali e storie quotidiane in canzoni.

LINK SOCIAL e WEB

Sito WEB: www.fabiocardullo.com

Link Instagram: www.instagram.com/lampion_guitar

Canale YouTube: www.youtube.com/@LampionGuitarMusic

Link PAGINA FB: www.facebook.com/fabiocardullomusica

Link Spotify: https://open.spotify.com/artist/7DJeAUaZ84G6KnlnCWDlqW

Link TIKTOK: www.tiktok.com/@lampionguitar

“Estranei” è un viaggio emotivo che racconta la vita dopo l’addio: come due persone che hanno condiviso tutto possano, improvvisamente, ritrovarsi ad essere semplici sconosciuti.

Le sonorità attingono a piene mani dall’elettro-pop degli anni ‘90, unendo sintetizzatori avvolgenti e ritmiche incalzanti ad un testo malinconico, ma energico, capace di far ballare e riflettere allo stesso tempo.

Autore completo di testo e musica, Maledetto firma un’opera autobiografica che trasforma la nostalgia in energia pura.

“Quando un grande amore finisce, resta un vuoto strano: ci si ritrova a dover a fare i conti con la propria solitudine, ad imparare di nuovo a camminare da soli, incrociando lo sguardo di chi prima era tutto ed ora è diventato uno sconosciuto.” - Maledetto

Spotify: https://open.spotify.com/album/1skmozP6QLcI0OiMJSv4OZ 

BIOGRAFIA ARTISTA

Nato nel 2024, Maledetto è un progetto musicale che fonde la canzone d’autore con sonorità moderne e contaminazioni retrò. L’artista trasforma le proprie esperienze personali in un pop diretto, viscerale ed evocativo attingendo dal suo passato e dalle ansie e paure per il futuro.

SOCIAL

INSTAGRAM: maledetto.mp3

FACEBOOK: Maledetto

YOUTUBE: maledettochannel

TIKTOK: maledetto.mp3

CONTATTI

UFFICIO STAMPA: Gabriele Negro

E-MAIL: ufficiostampa.maledetto@gmail.com

TESTO & MUSICA: Maledetto

PRODUZIONE:Studio85

DATA DI USCITA: 18/09/26

GENERE: Elettro-Pop

Nel video in questione ci sono robot, tunnel psichedelici, gente che danza e si diverte in strada o nei club o in luoghi enigmatici con luci al neon. Time-lapse urbani trasmettono il caos delle metropoli odierne. Si cerca di rappresentare la confusione urbana contemporanea, il caos incessante di una società perennemente in movimento.

Inoltre, è un video che tenta di narrare il post-umano, di grande peso nell’antropocene. Si cerca anche di narrare la simulazione: dei codici o matrici spesso attraversano le persone. L’uomo odierno è compresso tra realtà e mondo virtuale. Oramai la linea di demarcazione tra le due dimensioni è piuttosto labile.

Appaiono anche figure sinistre: è un video che vuole trasmettere anche un senso di mistero. Visioni lisergiche, visioni oscure…Power Plant è questo ed altro….

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=h4savJtw9x8

Biografia:

Giovanni Brancati “alias” VANTERRANIA, nato a Scicli (RG), il 14 Ottobre 1975, vissuto nel Catanese, diede inizio al proprio percorso artistico come chitarrista fine anni 80, collaborando con varie rock band, cimentandosi in concerti che fecero da trampolino di lancio verso la ricerca di nuove sonorità. Egli così iniziò un percorso di sperimentazione basato su l’uso di sequencer, drum machine, Synth e chitarre.

La voglia di creare e sperimentare nuovi suoni ha portato l’artista a comporre diversi album “colonne sonore”, tra cui ricordiamo (Electronix, Mysterious, Two Bells – Vol. 1 e 2, Galaxies ed Electrowave). In questi album Vanterrania ha fatto prevalere un uso dell’elettronica alquanto psichedelico, sonorità tanto contaminate dall’influenza di diversi stili musicali ossia punk, rock, industrial, ambient e indietronica.

Vanterrania ama pensare che la musica sia ogni forma di suoni e che facendo un uso costante di strumenti e sonorità elettroniche e combinandoli tra loro in un approccio vario ed originale diventa arte. Infatti il termine (experimental music) viene usato per descrivere forme musicali che tendono ai limiti di un genere definito il cui approccio sia determinato da ibridazioni di stili incorporati in elementi nuovi e distintamente unici controllati dall’elettronica.

Sotto lo pseudonimo Vanterrania, si muove un percorso artistico ed un progetto ben preciso e mirato ad ampliare la conoscenza e per questo che la sperimentazione non può fermarsi e spinge alla ricerca di nuovi modi di composizione sia analogiche che digitali, aspirando sempre più al raggiungimento delle sonorità desiderate.

Web links:

https://music.apple.com/us/artist/vanterrania/1049523155

https://www.facebook.com/GiovanniBrancatiOfficial

https://www.deezer.com/it/artist/9438612

https://music.youtube.com/channel/UCzLpJ_uFlZ9KybUoDCdiSQQ

https://open.spotify.com/intl-it/artist/1WpvLUP1HC5he1xej1uGyA

https://soundcloud.com/vanterraniaofficial

https://www.youtube.com/@GiovanniBrancatiVanterrania

La band annuncia la pubblicazione del lyric video del nuovo singolo “Still We Go”, disponibile da ora su tutte le principali piattaforme di streaming e sul canale YouTube.

Un assaggio perfetto per ingannare l’attesa fino a sabato 14 novembre, quando i Secret Wizard presenteranno dal vivo il nuovo chitarrista solista alla Birreria Painkiller di Prato. Una serata da non perdere per scoprire la nuova formazione e ascoltare dal vivo i brani della band.

Segnate la data: Sabato 14 novembre — Birreria Painkiller, Prato

Lyric video di “Still We Go” — disponibile su tutte le piattaforme, link: https://youtu.be/fJ1Q1yNFFRk?si=-URLcINmB3EcA-U6

Seguiranno aggiornamenti.

Gli Inquieti sono un progetto musicale emergente italiano nato dalla voglia di trasformare emozioni, idee e situazioni della vita quotidiana in musica.
Il progetto si sviluppa attraverso sonorità differenti e una particolare attenzione alla costruzione di un’identità personale, con l’obiettivo di raccontare stati d’animo e sensazioni attraverso canzoni immediate e capaci di coinvolgere l’ascoltatore.
Il percorso degli Inquieti è iniziato con “Mi sento inquieto”, brano che rappresenta già nel titolo l’identità del progetto: quella sensazione di irrequietezza che può diventare creatività e trasformarsi in musica.
A seguire è arrivato “Giocata a scacchi”, un ulteriore tassello del percorso musicale degli Inquieti, fino ad arrivare al nuovo singolo “Baila”.

“Baila”: energia, ritmo e voglia di divertirsi.

Con “Baila”, gli Inquieti cambiano atmosfera e portano al centro della scena il ritmo e la voglia di lasciarsi andare.
Il brano nasce con l’intenzione di trasmettere energia e leggerezza, invitando l’ascoltatore a vivere la musica senza troppi pensieri: lasciarsi trasportare dal ritmo e ballare.
“Baila” rappresenta una nuova sfumatura del progetto Gli Inquieti e conferma la volontà di sperimentare atmosfere differenti senza rimanere legati a un’unica formula musicale. In arrivo un EP di 6 brani. Il percorso degli Inquieti non si ferma ai singoli.
È in programma un EP composto da 6 brani, che raccoglierà parte del percorso già pubblicato e presenterà anche nuovi brani inediti.
L’EP vuole rappresentare un momento importante per il progetto, mostrando le diverse anime musicali degli Inquieti e offrendo all’ascoltatore una visione più completa del loro mondo.
Gli Inquieti continuano così a lavorare alla propria musica con l’obiettivo di crescere, sperimentare e costruire, brano dopo brano, una propria identità artistica.

ASCOLTA E SEGUI GLI INQUIETI
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NEW YORK, NY — Una registrazione perduta da oltre sessant’anni è finalmente arrivata al pubblico. “One Day”, inciso a New York nel 1963 da Stephen Schlaks insieme al suo storico partner creativo Howard Farber, è ora disponibile in streaming su Spotify, Apple Music e sulle principali piattaforme tramite DistroKid, con l’accredito all’artista Marie Curie.

Molto prima di diventare un nome familiare in Italia — dove ha pubblicato 17 album, firmato colonne sonore e girato il paese in tour per tutti gli anni ’70 e ’80 — Schlaks era un giovane autore e produttore a New York, attivo sotto il nome Schlaks & Farber Productions per etichette come RCA, Warner Bros., Musicor e United Artists. In quel primo periodo, Schlaks ha anche scritto e lavorato al fianco di artisti come Elvis Presley, gli Osmond Brothers e Robert Plant.

“One Day” è un vero e proprio documento di quella primissima epoca — inciso prima del trasferimento di Schlaks in Italia, prima della carriera solista che molti ascoltatori italiani ricordano ancora. Schlaks e Farber possiedono il master originale e tutti i diritti editoriali. La registrazione è rimasta dimenticata per decenni, fino al recente ritrovamento.

Anche per gli standard dell’epoca, “One Day” si distingue per un suono insolito, quasi futuristico, che secondo Schlaks appare ancora oggi sorprendentemente avanti rispetto al suo tempo.

“Avevo davvero dimenticato che questo disco esistesse,” ha dichiarato Schlaks. “Riascoltarlo dopo sessant’anni, e rendermi conto di quanto suoni ancora strano e all’avanguardia, è stato come ritrovare un pezzo della mia storia che non sapevo mancasse.”

Schlaks e Farber ritengono che questa storia abbia una risonanza particolare per il pubblico italiano — l’occasione di scoprire dove è davvero iniziata la lunga carriera di Schlaks, anni prima che l’Italia conoscesse il suo nome.

“One Day” di Marie Curie è disponibile da oggi su Spotify, Apple Music e sulle principali piattaforme di streaming.

Contatto stampa: Howard Farber / FARBERCOLLECTION@gmail.com

Cantato sia in inglese che in spagnolo, il disco riflette l’esperienza di vivere tra due culture e due paesaggi emotivi. Esplora l’intero spettro della condizione umana: gli alti, i bassi e tutto ciò che sta in mezzo, attraverso temi come l’identità, l’amore, la perdita, l’isolamento e la resilienza.

L’album è un disco alternative bilingue che fonde emo, grunge, rock alternativo, hip-hop e influenze latine in un’esperienza d’ascolto cinematografica e carica di emozioni.

In Cintas Perdidas: México ci sono collaborazioni con artisti latini, tra cui Sofia Thompson, Yung Dupe, Jozue, Ardis, Rayben, Dimelow Pro, El Burger e Dani Torres. L’album fonde la musica alternative e quella latina, creando un sound che risulta allo stesso tempo familiare e completamente nuovo. È pensato per gli ascoltatori che si identificano con artisti emotivamente intensi come Bring Me The Horizon, Deftones, Lil Peep e altri gruppi alternative latini, ma che al contempo spingono queste influenze in un universo unico.

Link streaming album: https://open.spotify.com/intl-it/album/5TfO9q4LnJvmmEV1fuCs43

Link video di Fragrance: https://www.youtube.com/watch?v=ewrG67sOS4o

Biografia:

I Love Ghost sono una band alternative rock che mescola hard rock, metal, pop-punk, acustico, rap e goth in qualcosa di assolutamente originale. Le loro canzoni hanno un tocco emo e poetico, affrontando spesso temi come il trauma e le problematiche legate alla salute mentale.

Selezionati per Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in 4 continenti. Si sono esibiti al Long Beach Warp Tour con Wiplash nel 2025. In Messico hanno collaborato con artisti come Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri. A livello globale hanno collaborato con The Skinner Brothers (Regno Unito), Rico Nasty e hanno realizzato un intero album con SKOLD. Hanno ricevuto il plauso di riviste come Rolling Stone (oltre 10 volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash magazine, Alternative Press e molte altre.

In Messico hanno vinto il Monster Award 2026 come miglior gruppo rock. Hanno recentemente concluso il loro tour da headliner “Anarchy and Ashes”, suonando in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito. Si esibiscono frequentemente in Messico.

Website: https://www.loveghost.com

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Instagram: https://www.instagram.com/loveghost_official

YouTube: https://youtube.com/@LoveGhost

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Dopo il nono posto nel 2025, miglior risultato di sempre nella storia delle partecipazioni sammarinesi al Junior Eurovision Song Contest, la Repubblica di San Marino e San Marino RTV continuano ad investire sul contest annuale organizzato dall’Unione europea di radiodiffusione (EBU) e puntano quest’anno su Violamarie, 11enne cantante di origine milanese, già conosciuta nell’ambiente musicale internazionale come cantante e performer.

Sarà lei la portacolori del Titano alla 24esima edizione del JESC, che si terrà il prossimo 24 ottobre al Malta Fairs & Conventions Centre di Ta’ Qali, nel cuore dell’isola mediterranea e in diretta su San Marino RTV (canale 550).

“Sono molto emozionata – dichiara la giovane artista – già io seguivo San Marino e sono molto felice di avere questa opportunità, sarà il palco più grande dove io abbia mai cantato. Spero di fare nuovi amici e di divertirmi molto”.

“Violamarie ha già fatto parlare di sé. La voce armoniosa e allo stesso tempo potente, unita a una presenza dolce, elegante e magnetica. Ha già conquistato 600 milioni di persone attraverso il progetto social, diretto dalla famiglia. La piccola Violamarie, bambina vivace e piena di vita, nasce nel 2015 e cresce ispirandosi ai personaggi Disney. Mostra sin dai primi anni di vita una vera passione per il teatro musicale, la danza e il canto. Da subito segue i genitori nelle loro produzioni teatrali per l’infanzia, e, con la guida e la supervisione artistica della madre, frequenta percorsi pedagogici e propedeutici di musica, canto, danza e arti circensi. Dai 5 anni viene inserita in corsi individuali pre-accademici e accademici di canto, pianoforte, danza classica e moderna. Dai 9 anni prosegue la sua formazione in musical con i percorsi del Teatro Il Sistina, la Scuola Art Dubbing di Doppiaggio di Roma, l’Accademia TVA di Silvia Mezzanotte sotto la guida della Vocalcoach Sefora Firenze, e segue diversi workshop con altri rinomati maestri italiani e stranieri. Affacciatasi al mondo dei talent show e della TV, la famiglia sceglie un percorso diverso e decide di concentrarsi sul progetto social e la collaborazione con importanti artisti internazionali. Presto attira l’attenzione sui social-media Tiktok e Instagram sui quali riceve centinaia di milioni di consensi e il plauso di artisti come Giorgia, Ramazzotti, Cheryl Porter, Serena Autieri, Tosca e content creators come i Me contro Te”. (https://www.violamarie.it/).

In gara al Junior Eurovision Song Contest 2026, 16 giovani artisti provenienti da altrettanti Paesi europei. Un palcoscenico internazionale che mette insieme musica, televisione e soprattutto talento giovanile.

La scelta e i primi dettagli sulla partecipazione di San Marino sono stati illustrati in conferenza stampa dal capo delegazione Denny Montesi insieme al vice capo delegazione e direttore creativo Ersin Parlak e ad Alan Gasperoni, Segretario Particolare della Segreteria di Stato per il Turismo, in rappresentanza del Segretario di Stato Federico Pedini Amati. Ancora top secret titolo e testo del brano che Violamarie proporrà sul palco di Malta.

“La scelta di Violamarie - spiega il capo delegazione Denny Montesi – nasce da un percorso preciso: abbiamo cercato un’artista giovane, riconoscibile e con un forte potenziale internazionale. Dopo l’ottimo risultato dello scorso anno, vogliamo alzare ulteriormente l’asticella e presentarci a Malta con un progetto ambizioso, competitivo e internazionale.”

Il brano rimane per ora top secret, ma posso anticipare che porta le firme di Emilio Munda, Piero Romitelli e la mia. Le edizioni musicali sono Sugar Music, Sony Music Publishing e Jois Edizioni, mentre Astralmusic sarà l’etichetta discografica.

Crediamo molto in Violamarie e nel progetto costruito intorno a lei. L’obiettivo è portare sul palco del Junior Eurovision una proposta forte, contemporanea e capace di lasciare il segno.

“Riuniremo ancora una volta un team di respiro internazionale – aggiunge il vice capo delegazione e direttore creativo, Ersin Parlak – solido e operativo, per la performance dell’Eurovision che raggiungerà tutta l’Europa e oltre; per quanto riguarda la squadra creativa e i content creator, avremo a bordo persino un professionista brasiliano per la progettazione della scenografia”.

Un progetto in linea con la vocazione internazionale dell’emittente di Stato:

“La partecipazione allo Junior Eurovision Song Contest – rimarca il Direttore Generale di RTV, Roberto Sergio - rappresenta molto più di una competizione musicale: è parte di una strategia con cui San Marino RTV vuole rafforzare la presenza internazionale della Repubblica, parlare alle nuove generazioni e valorizzare il talento, la creatività e l’identità del nostro Paese. Dopo lo straordinario risultato ottenuto nel 2025, affrontiamo questa nuova edizione con ancora maggiore ambizione. Violamarie ha talento, personalità e una naturale capacità di comunicare con un pubblico internazionale: siamo convinti che saprà rappresentare al meglio i colori di San Marino. Da ottobre prenderà inoltre il via un percorso che accompagnerà RTV per molti mesi nel mondo Eurovision, dal Junior Eurovision al Dreaming San Marino Song Contest, fino al San Marino Song Contest e all’Eurovision Song Contest di maggio: un grande progetto editoriale e internazionale che conferma la crescente centralità di San Marino RTV nel sistema eurovisivo”.

Un’operazione di diplomazia culturale ed anche un importante veicolo di promozione turistica per il Paese:

“Io credo che in poche occasioni il nome San Marino, la nostra bandiera – sottolinea Alan Gasperoni, Segretario Particolare della Segreteria di Stato per il Turismo – riescano ad arrivare in così tante case, in così tante parti del mondo come in occasione di Eurovision. Lo abbiamo vissuto sulla nostra pelle nelle edizioni precedenti, quindi i dati sono reali, non è più una scommessa ma è una certezza”.

Alan Gasperoni ha assicurato il sostegno delle istituzioni ed annunciato a breve la consegna della bandiera biancoazzurra alla giovane artista, “per ricordarti – ha detto rivolgendosi a Violamarie – che tu rappresenterai un Paese piccolo, ma molto orgoglioso”.

San Marino RTV trasmette:

canale 550 DTT, SKY, TivùSat

Radio San Marino: FM 102.7 – FM 103.2

DAB+ e RaiPlay Sound

On demand: www.sanmarinortv.sm

Fb: @SanMarinoRTV

X: @SanMarino_RTV

IG: @sanmarinortv

TikTok: san.marino.rtv

YouTube: @SanMarinoRTVOfficial

Noti per la loro capacità di combinare atmosfere suggestive, riff di chitarra groovy e una voce intensa ed emotivamente coinvolgente, che spazia tra melodie pulite e urla aggressive, i Morphide si sono affermati nella nuova generazione dell’heavy metal europeo, superando i 7 milioni di stream complessivi su tutte le piattaforme con l’uscita del loro secondo album in studio “Mental”, un disco profondamente personale che esplora il dolore, il trauma e il difficile processo di guarigione.

Per i fan di Spiritbox, Northlane, Thornhill e dell’heavy metal moderno atmosferico, questa è la prima occasione per vedere i Morphide dal vivo in Italia.

9 settembre — Milano

11 settembre — Roma

12 settembre — Torino

Instagram: https://www.instagram.com/morphide/

Facebook: https://www.facebook.com/morphide

Link Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/album/1DHlYY3zGVyuTVZqHCQhA0

Biografia

Le canzoni dei Love Ghost hanno un tocco emo e poetico, affrontando spesso di petto traumi e problemi di salute mentale. Selezionati per Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in 4 continenti. Si sono esibiti al Warp Tour di Los Angeles con Wiplash nel 2025. In Messico, hanno collaborato con artisti come Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri.

A livello globale hanno collaborato con The Skinner Brothers (Regno Unito), Rico Nasty e un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto il plauso di riviste prestigiose come Rolling Stone (oltre 10 volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash magazine, Alternative Press e molte altre. Hanno recentemente concluso la tappa europea del loro tour da head-liner per supportare l’album “Anarchy and Ashes”, esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito.

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È online “E ti direi”, il nuovo singolo di Giusi Mitrano, cantante, musicista e compositrice. Un brano intimo ed evocativo che attraversa il territorio della memoria e delle relazioni sospese, raccontando ciò che resta di un legame quando il tempo ha ormai trasformato persone, sentimenti e prospettive.
Scritto alcuni anni fa e rimasto a lungo nel cassetto, “E ti direi” nasce da una riflessione sul fluire del tempo: restano ricordi, rimpianti, parole non dette e storie sospese, da cui può nascere il desiderio di tornare sui propri passi e riportare il passato nel presente. Ma il tempo non cambia soltanto le circostanze: cambia anche noi.
“Non mi riconosceresti più…” racchiude il senso più profondo della canzone: la consapevolezza che ciò che eravamo allora non esiste più.
A fare da filo conduttore è l’immagine di un calice di vino rosso e di un brindisi che resta sospeso, metafora di un incontro immaginato e di qualcosa che non può più essere ricreato.
La dimensione narrativa del brano trova la sua naturale estensione in una veste sonora di matrice jazzistica, costruita sull’interazione tra voce e strumenti. Gli arrangiamenti, curati in collaborazione con il pianista Bruno Salicone, storico partner artistico di Giusi Mitrano con cui condivide dal 2011 il progetto Sincretico, valorizzano la sensibilità e la cifra espressiva di ciascun interprete, facendo del dialogo musicale una componente essenziale del racconto. L’ensemble riunisce interpreti dalla spiccata sensibilità jazzistica, collaboratori di lunga data: Bruno Salicone al pianoforte, Aldo Vigorito al contrabbasso, Giulio Martino al sax tenore, Luca Mignano alla batteria e Pasquale Di Lascio alle percussioni. Il loro apporto non si limita ad accompagnare la voce, ma partecipa alla costruzione del racconto musicale, in un gioco di equilibri, spazi e sfumature che lascia emergere la personalità di ciascun interprete.
«Ho scritto “E ti direi” qualche anno fa e l’ho tenuto nel cassetto per molto tempo. Forse alcune canzoni hanno semplicemente bisogno di aspettare il proprio momento. Parla del desiderio di tornare indietro e, insieme, della consapevolezza che non possiamo farlo davvero, perché nel frattempo siamo cambiati anche noi.»

GIUSI MITRANO – BIO
Musicista, cantante, compositrice e arrangiatrice, Giusi Mitrano si forma tra jazz, musica classica e ricerca interdisciplinare. Studia composizione e canto jazz presso il Conservatorio “Domenico Cimarosa” di Avellino, dove si laurea nel 2014 sotto la guida di Pino Jodice, Antonio Sinagra e Ada Montellanico, approfondendo parallelamente lo studio della voce con Cinzia Spata, Elisabetta Antonini e Francesca Sortino.
Laureata anche in Architettura presso l’Università Federico II di Napoli, con una tesi dal titolo “Tra musica e architettura”, prosegue negli anni un percorso di formazione e ricerca aperto all’incontro tra differenti linguaggi artistici. Nel marzo 2026 consegue il titolo in Canto lirico presso il Conservatorio “Cimarosa”, sotto la guida del M° Marilena Laurenza. Attualmente continua la propria ricerca musicale frequentando il corso di Composizione Jazz con Domenico Napolitano, Marco Parisi e Marco Lo Russo.
La sua attività artistica si sviluppa prevalentemente nell’ambito del jazz. È stata vocalist della Federico II Jazz Orchestra, con la quale ha condiviso il palco con artisti quali Renzo Arbore, Tony Scott e Tullio De Piscopo, e della Latin Jazz Orchestra dell’Università di Salerno, partecipando, tra le diverse rassegne, a Umbria Jazz 2012. Dal 2011 è co-leader, insieme al pianista Bruno Salicone, del progetto Sincretico, con il quale si esibisce in festival e jazz club. Nel 2019 partecipa come vocalist all’album Happy di Bruno Salicone, pubblicato da A.MA Records, e dal 2022.
Parallelamente all’attività di interprete sviluppa un personale percorso di scrittura, composizione e arrangiamento, nel quale la parola assume un ruolo centrale e dialoga con jazz, canzone d’autore e differenti suggestioni musicali. Nel 2022 pubblica “Lei si chiamerà”, di cui firma testo e musica: un brano nato durante il primo lockdown e ispirato alla tragica storia di una giovane donna fuggita da un campo profughi libico. Attraverso quattro nomi femminili – Aurora, Fortuna, Naima e Isabel – il brano costruisce una riflessione simbolica sulla libertà, la violenza, la speranza e la condizione femminile.
Nel 2026 pubblica “E ti direi” ed è di prossima uscita “Luna crescente”, brano dalle sonorità latine su musica di Bruno Salicone, testo di Giusi Mitrano e arrangiamento di entrambi, con la partecipazione: Aldo Vigorito al contrabbasso, Pasquale Lancuba al bandoneon e Gerardo Palumbo alle percussioni. “E ti direi” è disponibile sulle principali piattaforme digitali.

https://open.spotify.com/intl-it/track/4NmnYbPu2d3xV9MuG8yu3B?si=58b87b391ccd4d51

https://music.apple.com/it/album/e-ti-direi-with-bruno-salicone-aldo-vigorito-luca/6803022444

https://www.youtube.com/watch?v=0BOcoCF2lF0&list=RD0BOcoCF2lF0&start_radio=1

«Non mi sento un cantante. La mia urgenza viene da più lontano.»

Marziam reinterpreta “Canzone” di Lucio Dalla e Samuele Bersani e anticipa “Reinterpretazioni”, EP di quattro cover in uscita nelle prossime settimane.

Ma il percorso guarda soprattutto all’autunno, quando arriverà “M”, il nuovo album di inediti in italiano.

Una Canzone cantata da qualcuno che sostiene di non sentirsi un cantante. Il paradosso è soltanto apparente.

«Non è una provocazione e tantomeno un giudizio sul canto. Semplicemente non è così che mi penso. La voce per me è uno strumento, come la scrittura: serve a comunicare. Anche quando canto qualcosa scritto da altri è perché sento che, in qualche modo, appartiene anche a me.»

È questo il criterio alla base di “Reinterpretazioni”: quattro brani provenienti da mondi differenti. Accanto a Canzone trovano spazio, tra gli altri, Every You Every Me dei Placebo e La vita e la felicità di Michele Bravi.

«Non scelgo le canzoni pensando a un genere. Le trovo utili. E mi diverte scoprire cosa succede quando le riarrangio e le faccio passare attraverso di me.»

Produzione musicale a cura di Alessandro Maiani per AM Productions (Mastering: Massive Arts Studios, Milano; Distribuzione: Vydia)

Video: https://www.youtube.com/watch?v=enxLoLzUOc8

PRIMA LE PAROLE DEGLI ALTRI. POI LE SUE.

Reinterpretazioni è soprattutto un passaggio. In autunno 2026 arriverà “M”, il nuovo album di inediti di Marziam: un disco interamente in italiano nel quale pop, rock e dance convivono con ballate più intime, tra sonorità elettriche e una scrittura più melodica.

«Reinterpretazioni è un viaggio di avvicinamento. “M” è un’altra cosa: lì ci sono le mie parole e quello che sento l’urgenza di raccontare. Per questo il punto di arrivo — o forse il vero punto di partenza — sarà “M”.»

UNA DOMANDA PIÙ ANTICA DELLA MUSICA

Ed è qui che il “non cantante” comincia ad assumere un altro significato. Dietro la musica c’è una ricerca che viene da più lontano e riguarda il modo in cui pensiamo noi stessi, l’altro e la relazione che ci unisce.

«La mia urgenza ha a che fare con un modo di pensare antichissimo: quello che mette l’Io da una parte e tutto il resto dall’altra, come se fossimo entità separate. Io credo che la separazione sia, almeno in parte, un errore di pensiero. E temo stia diventando un errore sempre più pericoloso.»

Marziam non apre a una ricerca epistemologica, non affida alla musica il compito di dimostrare una tesi, ma di far circolare una domanda.

«Una canzone non deve risolvere nulla. Può però arrivare dove un ragionamento teorico difficilmente arriva. Può accarezzare, disturbare, persino redarguire. Ma soprattutto può mettere le cose in relazione.»

La stessa tensione attraversa il modo in cui Marziam guarda ai rapporti personali, alla società e alle sue contrapposizioni.

«Possiamo essere diversi, persino opposti, senza dimenticare di appartenere allo stesso sistema. Vale in amore, in una famiglia, in politica, tra popoli. L’unità non significa essere uguali.»

Poi un’immagine:

«Penso alle parti contrapposte di una società, e persino del mondo, come ai due emisferi di un cervello. Sono differenti, fanno cose differenti, ma appartengono allo stesso corpo. Quando smettono di comunicare, il corpo si ammala.»

È una tensione destinata ad attraversare soprattutto “M”.

UN NOME RICEVUTO IN REGALO

Dietro Marziam c’è Cristian Edgardo Del Negro, cantautore e interprete milanese legato artisticamente ad AM Productions di Alessandro Maiani, che lo nota anni fa durante un talent locale e decide di seguirne la produzione musicale. Ma il nome Marziam arriva da altrove. Durante un’esperienza di volontariato, Cristian incontra un’anziana donna che conosce appena e che sembra leggerlo con una familiarità difficile da spiegare. Prima di salutarlo gli annuncia un regalo. Cristian pensa a un’offerta per l’associazione. La donna si allontana e poco dopo ritorna a mani vuote. Apre una mano.

«Ti regalo un nome, nessuno regala un nome. Ti regalo Marziam.»

Cristian affida quel nome alla propria musica. Non lo abbandonerà più.

USCITE

“Canzone”

Reinterpretazione del brano di Lucio Dalla e Samuele Bersani

“Reinterpretazioni”

EP di quattro cover — prossime settimane

Tra i brani: Canzone, Every You Every Me, La vita e la felicità

“M”

Album di inediti in italiano — autunno 2026

Pop / rock / dance

www.marziam.com

Klyders presenta il nuovo singolo “There’s No Way That I’ll stop loving you”, pubblicato da Edizioni Principio. Una ballad dal respiro internazionale, intensa ed elegante, prodotta da Vladi Tosetto, che racconta il momento più delicato di una relazione: quello in cui l’amore viene messo alla prova dalla paura di perdere la persona amata.

Il brano dà voce a chi sceglie di non arrendersi davanti alla crisi di coppia. Il protagonista percepisce che qualcosa è cambiato nella persona che ama e teme che la storia stia per concludersi. Per questo la implora di non dirgli addio, promettendo di fare tutto il possibile per salvare il loro rapporto e ribadendo con forza che il suo sentimento non verrà mai meno.

«Il protagonista – racconta Klyders – sente che la persona amata si sta allontanando. La paura della separazione si mescola alla speranza di poter ricostruire ciò che sembra perduto. È una dichiarazione d’amore sincera, in cui la vulnerabilità diventa la forza per chiedere un’ultima possibilità.»

Il testo porta la firma dell’autrice americana Kathy Shriner. Completano il cast musicale Francesco Isola alla batteria e Andrea Maddalone alle chitarre. La grafica e il progetto visivo sono curati da Roberta “Moon” Petteruti.

Producer, compositore e musicista di grande esperienza, Vladi Tosetto è la mente del progetto artistico. Nel corso della sua carriera ha collaborato con artisti del calibro di Eros Ramazzotti, Giorgia, Gianni Morandi, Joe Cocker, Ricardo Montaner e molti altri. Ha inoltre accompagnato in tour e concerti live interpreti come Fiorella Mannoia, Ornella Vanoni, Fausto Leali, Anna Oxa ed Eros Ramazzotti. Tra le sue composizioni figurano brani di enorme successo come “Come saprei”, “Stella gemella” e “Me va a extrañar”. Forte di questo importante percorso artistico, Tosetto continua a dedicare attenzione e passione alla valorizzazione di nuovi talenti e produzioni emergenti, come dimostra la collaborazione con Klyders.

https://open.spotify.com/album/3Gfg5Hctv0DF2ZRuTVuMVZ

Ufficio stampa e promo radio Giovanni Germanelli

www.germanelli.com – info@germanelli.com

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=TayhbBDbWNM

Link streaming Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/album/433j2sBJKxVJ3Sefpb1LLr

Le canzoni dei Love Ghost hanno un tocco emo e poetico, affrontando spesso di petto traumi e problemi di salute mentale. Selezionati per Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in 4 continenti. Si sono esibiti al Warp Tour di Los Angeles con Wiplash nel 2025. In Messico, hanno collaborato con artisti come Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri.

A livello globale hanno collaborato con The Skinner Brothers (Regno Unito), Rico Nasty e un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto il plauso di riviste prestigiose come Rolling Stone (oltre 10 volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash magazine, Alternative Press e molte altre. Hanno recentemente concluso la tappa europea del loro tour da head-liner per supportare l’album “Anarchy and Ashes”, esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito.

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Tik Tok: https://www.tiktok.com/@loveghost_official

“Still into me” è il nuovo singolo di Nicola Ferrari, un brano che parla di una riflessione interiore, di una domanda che riguarda molte relazioni: “mi chiedo se provi ancora qualcosa per me”.

La canzone è prodotta da NF Records per Astralmusic, con arrangiamenti e direzione artistica a cura di Nicola “Nik” Messori, in collaborazione con Francesco Mignogna. Il management è affidato a Francesca Mercury, partner grafico Digital Design.

Il lyric video, realizzato da Simone Gazzola (che ha realizzato anche la copertina), prosegue il percorso di rappresentazione e animazione di NIKO, il personaggio manga che interagisce con la musica e i contenuti comunicativi di Nicola Ferrari.

Il suono di questo brano -spiega Nicola Ferrari- è il frutto di un lavoro di ricerca e di confronto con il mio team musicale. I miei album contengono molte tracce e credo sia importante mantenere una propria linea identitaria, ma è altrettanto importante provare a esplorare altre aree del rock. Mi riferisco a influenze pop, soul e funk. Questa varietà mi aiuta anche nei live, che necessitano di cambi di atmosfera e di alternanze. È un lavoro che richiede impegno, sia nella ricerca sia nell’esecuzione, ma che restituisce tanta energia. La musica ha questo potere e io intendo usarlo.

Continua il Tour 2026 “Your Time Is Now” — che dà anche il nome all’ultimo EP — un live che porta il rock energico di Nicola Ferrari sui palchi di tutta Italia, tra collaborazioni di rilievo e nuovi brani presentati in anteprima. Tra gli appuntamenti principali: opening Morgan a Castel Bolognese, Live in Piazza Grande a Modena, ospite all’Hard Rock Cafe di Firenze per Sanremo Rock&Trend, opening Beppe Carletti a Castel San Pietro, ospite a Sanremo Estate 2026, opening Margherita Vicario e Lea Gavino a Rimini, ecc.

Biografia

Nicola Ferrari nasce a Sassuolo il 16 ottobre 1990. Fin da giovanissimo sviluppa una profonda passione per la musica, lasciandosi ispirare da band come Green Day, Oasis e Red Hot Chili Peppers, ma anche dai grandi protagonisti del rock degli anni ’70, tra cui Led Zeppelin e Rolling Stones.

Durante gli anni del liceo fonda la sua prima band, con cui si esibisce come cantante e chitarrista nei locali e nei festival tra Reggio Emilia e Modena. Dopo un iniziale periodo dedicato alle cover, il progetto evolve rapidamente verso la produzione di brani inediti, interamente scritti da lui.

Dopo quasi dieci anni di attività con il gruppo, nel 2014 intraprende un nuovo percorso artistico, approfondendo lo studio del canto e della chitarra presso accademie private. Negli anni successivi dà vita prima a un duo e successivamente avvia la carriera solista, che rappresenta oggi la sua dimensione espressiva principale.

A febbraio 2025 pubblica il suo primo album “Again”, composto da 14 tracce e anticipato da un EP di sei brani uscito nel novembre 2024. Parallelamente, prosegue un’intensa attività live, che considera il momento più autentico di connessione con il pubblico: «È sul palco che la musica vive davvero, ed è lì che posso condividere ciò che sento».

Autore e compositore di tutti i suoi brani, Nicola Ferrari sviluppa uno stile personale che unisce energia, introspezione e melodia. Attualmente è al lavoro sul nuovo album, la cui pubblicazione è prevista per la fine del 2026. Il progetto è anticipato dall’uscita di cinque singoli, pubblicati con cadenza mensile, e includerà anche i brani contenuti nell’ultimo EP, pubblicato il 1° maggio.

Instagram: https://www.instagram.com/nicolaferrari.music/

Facebook: https://www.facebook.com/nicolaferrari.music

Management: Francesca Mercury - mercurymusic230@yahoo.it;

Marco Mori – radiorossamanagement@gmail.com

Il team di produzione vanta collaborazioni con alcuni dei più importanti protagonisti della musica italiana, tra cui Måneskin, Jovanotti, Piero Pelù, Mango e Subsonica.

“Ci pensiamo a settembre” è un brano pop contemporaneo dal sound fresco, radiofonico e coinvolgente, costruito attorno a un ritornello immediato e a un’atmosfera luminosa. La canzone racconta quella leggerezza tipica dell’estate che convive con la dolce malinconia dei ricordi destinati a rimanere nel tempo.

La celebre espressione “ci pensiamo a settembre”, che da sempre rimanda a ciò che viene rimandato, si trasforma qui in un messaggio dal significato opposto: un invito a vivere pienamente il presente, senza lasciare che le emozioni e le occasioni più belle vengano rinviate. Il resto, appunto, ci penseremo a settembre.

Video ufficiale: https://www.youtube.com/watch?v=3CffoMzplqs

(IA video – Poly-card video Production – info@ilchioscoproduzoni.com)

Biografia

Pietro Gabriele è un cantautore e autore italiano, nato e cresciuto a Pantelleria, isola che continua a rappresentare la principale fonte d’ispirazione del suo universo artistico.

Il suo percorso musicale prende forma nel 2006, quando si trasferisce a Brescia per frequentare un’accademia musicale. Dopo anni di concerti e attività dal vivo in tutta Italia, nel 2012 viene selezionato da Gianni Morandi tra i 30 finalisti nazionali di Sanremo Giovani.

Successivamente si stabilisce a Milano, dove sviluppa la propria attività di autore e compositore, collaborando con diversi artisti della scena italiana e realizzando musiche per campagne pubblicitarie insieme al produttore Davide Bosio.

Nel 2025 pubblica “Pantelleria”, un omaggio alla sua terra d’origine che segna una tappa importante del suo percorso artistico. Il brano viene scelto come sigla ufficiale del programma di Rai 1 Da noi… a ruota libera, portando la sua musica all’attenzione del grande pubblico.

Con “Ci pensiamo a settembre”, Pietro Gabriele prosegue un percorso musicale in cui melodia, autenticità e contemporaneità si fondono in una scrittura diretta ed emozionale. Parallelamente continua a sperimentare nuove forme di narrazione che intrecciano musica, immagini e tecnologie digitali, mantenendo al centro del proprio lavoro un obiettivo preciso: raccontare emozioni autentiche.

Spotify: https://open.spotify.com/album/4Swnc5qS136AmjXngaUfjm

FB: https://www.facebook.com/Gabrielepiero/

IG: https://www.instagram.com/itspietrogabriele/

I Capabrò hanno vinto la 29^a edizione del Premio Amnesty, sezione Emergenti, con il brano “Lavorare fa schifo”, aggiudicandosi anche il Premio della giuria popolare, nella serata finale del festival “Voci per la libertà – Una canzone per Amnesty”.

A Esdra, con “Destà”, è andato il Premio della critica, mentre il Premio dello staff se lo sono aggiudicati i Marilyn, con “Arca di Noè”. In finale anche Tizio Bononcini, con “Uomo macho”, e Diletta Fosso, con “Bruciate tutto”.

La band vincitrice è un classico trio rock – chitarra, basso, batteria – formato da Alessandro Corvatta, Diego Brocani e Giorgio Pantaloni. Originari delle Marche, uniscono energia scenica e ironia su temi sociali e quotidiani, come nel brano vincitore. Queste le loro parole al momento della consegna del premio dalle mani della presidente di Amnesty International Italia Alba Bonetti:

“Vincere questo premio è per noi un orgoglio enorme. Oggi trovare luoghi e spazi di espressione veri è purtroppo una cosa sempre più rara ed essere riconosciuti su un palco così importante ha per noi un valore profondo. Dedichiamo questo premio a chi ogni giorno si alza la mattina per andare a fare un lavoro che odia, a chi vive per lavorare e non viceversa, a chi esce di casa per andare al lavoro e poi a casa non ci torna più.”

La finale del contest dedicato a canzoni sui diritti umani si è svolta in piazza Vittorio Emanuele II a Rovigo domenica sera, quando in veste di ospiti sono saliti sul palco anche Ibla e Murubutu & Moon Jazz Band – entrambi finalisti del Premio Amnesty nella sezione Big.

La conduzione delle serate era affidata a Savino Zaba (Rai), Manola Borgato (Radio Kappa) e Carmen Formenton (Voci per la Libertà).

Il festival, che ha preso il via giovedì 23 luglio, ha visto alternarsi numerosi altri artisti, come Dente, Francamente, la Magicaboola Brass Band, Agnese Valle, Giovanni Segreti Bruno, Vincenzo Fasano e il progetto Love Bombing. Accanto alle esibizioni degli ospiti e degli otto semifinalisti della sezione Emergenti, Rovigo si è animata con dibattiti, mostre e performance, trasformando la città in un polo di riflessione e partecipazione. I temi hanno spaziato dalla condizione carceraria italiana, al gender gap, dal compito del giornalismo nei conflitti, al ruolo dell’artista fra la libertà di espressione e la scelta di tacere, fino ai genocidi e al people power.
“Rovigo è diventato un grande spazio di musica, incontri, arte e diritti umani – ha dichiarato il direttore artistico del festival Michele Lionello – abbiamo vissuto assieme quattro giornate di emozioni, riflessioni e libertà con un programma che ha intrecciato linguaggi diversi attorno a un unico filo conduttore: i diritti umani. Artisti, ospiti, volontari, partner, spazi della città e pubblico hanno dato vita a un festival che continua a credere nella forza della musica e della cultura come strumenti di partecipazione, ascolto e consapevolezza con lo slogan che ha contraddistinto questa edizione: “Fai sentire la tua voce”.

Il Premio Amnesty, sezione Emergenti, è stato assegnato da una prestigiosa giuria che tra semifinali e finale era composta da: Claudio Agostoni (Radio Popolare), Gio Alajmo (critico musicale), Armida Bandoni (Amnesty International), Alba Bonetti (Amnesty International), Davide Campanati (Spazio Musica), Francesco Carrubba (Radio Latte e Miele), Marco Cavalieri (Radio Elettrica), Enrico Deregibus (giornalista, operatore culturale), Aldo Foschini (Musica nelle Aie), Roberta Giallo (Cantautrice), Michele Lionello (Voci per la libertà), Ivan Malfatto (Il Gazzettino), Martina Manfrinati (Voci per la libertà), Samuele Massarenti (Collettivo Desfemo), Silvia Mobili (Radio Capital), Gianluca Mura (Radio 41), Federico Padovani (Amnesty International), Zoe Pia (Pedras et Sonus Jazz Festival), Silva Rotelli (Take Action), Agnese Valle (cantautrice).

“Voci per la libertà – Una canzone per Amnesty” è un’iniziativa dell’Associazione Voci per la libertà APS.

Realizzata in collaborazione e con il sostegno di: Amnesty International Italia, Circoscrizione VTAA di Amnesty International, Comune di Rovigo, CGIL Rovigo, SPI Cgil Veneto, CAF Cgil, CISL Padova e Rovigo, CAF CISL, IRSAP Foundation, Caritas Diocesana di Adria-Rovigo, Enaip Veneto, progetto “GET – Gender Equality Thinking”, progetto “Dentro e fuori”.

Iniziativa sostenuta da: Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo.

Progetto finanziato: tramite fondi dell’8×1000 della Chiesa Cattolica.

Con il contributo di: Fondazione Banca del Monte di Rovigo, Coop Alleanza 3.0, Banca Annia.

Media partner: OPS Group, FunnyVegan, ViaVaiNet, Noise Symphony, Indieffusione, Radio Popolare, Radio 41, Radio Elettrica, Radio BlueTu, Radio Kappa, Rovigoinfocittà.

Partner tecnici: Tecnofire, ARS audio & light, Press4All, Birrificio Vojo, Gelateria Godot, Mei – Meeting degli Indipendenti, Rete dei Festival, Studioartax, IdeeGrafiche, Centro Documentazione Polesano, Musica nelle Aie, Premio la Mia Terra, Monferr’Autore Festival, CSV di Padova e Rovigo.

Maggiori informazioni su: www.vociperlaliberta.it

Ufficio stama e promo radio Capabrò – Giovanni Germanelli 

“LOVE CRIMINALE” è il nuovo singolo di Aku Boy, un brano che racconta un amore folle, di quelli che ti travolgono senza lasciarti il tempo di pensare. Un amore che vive d’istinto, infrange le regole e si lascia guidare solo dalla passione.

Scritta da Francesco Chiarle e Valerio Calisse (anche produttore del brano insieme a Massimo Calabrese e Marco Lecci), “LOVE CRIMINALE” sarà disponibile nelle principali piattaforme digitali dal 17 luglio per l’etichetta Lungomare S.r.l. e con la distribuzione di Pirames International, società leader nella distribuzione digitale di musica indipendente che collabora con i principali store e piattaforme streaming in Italia e all’estero.

Editing e mixing sono stati curati da Marco Lecci presso il Forward Studio di Roma (production assistant Simone Troiani e Matteo Giannone).

Biografia

Francesco Chiarle, in arte Aku Boy, è un cantautore romano che fa della spontaneità il principio fondante della propria ricerca artistica. La sua musica nasce da una convinzione precisa: l’autenticità non può essere forzata. Quando si cerca di costruire la spontaneità, questa perde la sua essenza e diventa artificiale. Per questo motivo, ogni brano prende forma in modo istintivo, lasciando spazio alle emozioni nella loro espressione più sincera.

Le sue canzoni raccontano esperienze vissute e stati d’animo reali, trasformati in testi e melodie essenziali, privi di sovrastrutture e capaci di trasmettere un’identità autentica.

Attualmente è impegnato nella produzione di nuovi brani insieme ai produttori Massimo Calabrese, Marco Lecci e Valerio Calisse, con l’obiettivo di consolidare e sviluppare ulteriormente il proprio percorso artistico.

Nel 2025 Aku Boy ha pubblicato i singoli “Solo con te” e “Supercalifragilistichespiralità”, mentre nell’anno in corso è già uscito “GOL DI TACCO”.

L’ artista ha costruito una forte fanbase grazie ai suoi live ed ha aperto i concerti di Centomilacarie e Dardust al RIM – Rimini in musica.

INSTAGRAM: https://www.instagram.com/akuboyx/

TikTok: https://www.tiktok.com/@akuboyx

Spotify: https://open.spotify.com/artist/2Z9Ndscaccbxjg3Y0sIfkM

Ideale per gli amanti della trap latina, dalle atmosfere intense e dall’energia travolgente e per chi cerca playlist come Fuego, Error 404 e altre playlist urban all’avanguardia.

Link video: https://www.youtube.com/watch?v=nEsbL_7NL7k

Link Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/album/6k4t6pP1Na3OXKeZGP0xhZ

Le canzoni dei Love Ghost hanno un tocco emo e poetico, affrontando spesso di petto traumi e problemi di salute mentale. Selezionati per Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in 4 continenti. Si sono esibiti al Warp Tour di Los Angeles con Wiplash nel 2025. In Messico, hanno collaborato con artisti come Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri.

A livello globale hanno collaborato con The Skinner Brothers (Regno Unito), Rico Nasty e un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto il plauso di riviste prestigiose come Rolling Stone (oltre 10 volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash magazine, Alternative Press e molte altre. Hanno recentemente concluso la tappa europea del loro tour da head-liner per supportare l’album “Anarchy and Ashes”, esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito.

Website: https://www.loveghost.com

Apple Music: https://music.apple.com/us/artist/love-ghost/345566313

Instagram: https://www.instagram.com/loveghost_official

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“aquilone” (Estro Vibes) è il nuovo singolo di FELLOW, un brano intenso e profondamente umano che nasce da una storia vera e si trasforma in un inno alla libertà di amare.

La canzone, prodotta da Umberto Gaudino e FELLOW, è dedicata a Tigran e Arsen, due ragazzi armeni che il 20 ottobre 2022, impossibilitati a vivere liberamente il loro amore, salirono su un ponte a Yerevan e decisero di togliersi la vita insieme. Prima di compiere quel gesto lasciarono una fotografia con una sola scritta: “Happy End”.

Da quella vicenda nasce “aquilone”.

«Ho voluto regalare loro un finale diverso, un vero lieto fine. Ho immaginato che non abbiano mai raggiunto il suolo, ma che siano saliti su un aquilone, continuando a volare finché il mondo non diventerà un posto migliore in cui poter tornare. Nella realtà, però, quel ponte l’hanno lasciato davvero. E non sono più tornati. Io, a 26 anni, posso cantare canzoni che parlano di amore libero e viverlo senza dovermi nascondere. Loro non hanno avuto questa possibilità. Ed è una differenza che sento addosso ogni giorno.»

Con una scrittura delicata e immagini fortemente evocative, “aquilone” racconta il dolore della discriminazione, ma soprattutto la forza della speranza e il desiderio di immaginare un futuro in cui nessuno debba rinunciare alla propria felicità o alla propria identità.

Più che una semplice canzone, “aquilone” è un invito a guardare oltre il pregiudizio e a ricordare che l’amore non dovrebbe mai essere una colpa.

Videoclip (girato da Fellow e Cenker Oztin): https://youtu.be/7UN1JJ2BovE?is=t-qG_CBvPN90ZRKj

Link al brano: https://orcd.co/aquilone

BIOGRAFIA

FELLOW inizia a esibirsi a soli otto anni insieme alla band del nonno, interpretando grandi classici della musica italiana e internazionale. Negli anni approfondisce lo studio della teoria musicale, della chitarra classica e del canto, fino a diplomarsi al Liceo Musicale, dove scopre definitivamente la propria vocazione come autore e interprete.

All’inizio della pandemia incontra Massimo Guidi che diventa il suo manager e vocal coach, avviando un percorso artistico che lo porta rapidamente all’attenzione del grande pubblico.

Nel 2020 partecipa al Festival di Castrocaro, conquistando il Premio della Critica SIAE. L’anno successivo prende parte a X Factor Italia 2021, entrando nel roster di Mika e classificandosi al quarto posto. Dopo il talent pubblica gli inediti “Fire” e “Non farmi andare”, proseguendo un percorso fatto di nuove produzioni e reinterpretazioni personali.

Nel corso degli anni si esibisce in numerosi eventi di rilievo, tra cui Play Music Stop War in Piazza del Popolo a Roma, Bulli Stop, le manifestazioni dedicate a Giancarlo Bigazzi e gli eventi della Versiliana, condividendo il palco con artisti del calibro di Andrea Bocelli.

È finalista ad Area Sanremo 2022 e, nel marzo 2023, firma un contratto in esclusiva con Warner Music Italia. Nello stesso anno torna ad Area Sanremo con il brano “Alieno”, raggiungendo nuovamente la finale e venendo selezionato tra i quattro artisti scelti da Amadeus e dalla commissione artistica per partecipare a Sanremo Giovani 2023.

Nel 2024 apre i concerti di Laura Pausini, Ermal Meta e Ditonellapiaga.

Nel 2025 intraprende il percorso da artista indipendente e vince 1MNEXT, conquistando l’accesso al palco del Concertone del Primo Maggio di Roma con il brano “Guerre e Zanzare”.

Dopo un periodo di ricerca personale e musicale, ad aprile 2026 pubblica “lacrima blu”, primo brano del nuovo progetto. Con “aquilone”, dedicata a Tigran e Arsen, Fellow aggiunge un nuovo tassello al proprio percorso artistico.

Link ai social:

Instagram: https://www.instagram.com/fellowmusic_/

Youtube: https://www.youtube.com/@fellowmusiccc

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Con un linguaggio sincero e contemporaneo, CHIEDO trasforma un’esperienza personale in un racconto capace di parlare a un’intera generazione, affrontando con autenticità il tema della delusione sentimentale e delle ferite emotive.

Musicalmente, il brano si inserisce nel percorso indie-pop dell’artista, contaminato da sonorità elettroniche e da una scrittura cantautorale che privilegia l’impatto emotivo e la forza delle parole.

Ascolta il brano: https://orcd.co/x83qyme

Biografia

CHIEDO, nome d’arte di Edoardo Guarini, nasce nel 2006 a Santa Marinella (Roma). Inizia a cantare all’età di sette anni e a dodici scrive i suoi primi brani, dando vita a un progetto musicale che fonde indie-pop, cantautorato ed elementi elettronici.

La sua scrittura nasce dall’esigenza di raccontare ogni sfumatura della propria personalità, trasformando emozioni ed esperienze in musica.

Nel suo percorso artistico ha già collezionato importanti esperienze dal vivo:

selezionato tra i 49 artisti delle audizioni live di Sanremo Giovani 2023/2024 con il brano Autunno retrò;

partecipazione all’Explosive Festival (Latina) nell’agosto 2023;

presenza al MEI – Meeting delle Etichette Indipendenti di Faenza nell’ottobre 2024;

partecipazione al festival Next Gen di Montesilvano nell’agosto 2025.

Con “bugie maledette”, CHIEDO compie un nuovo passo nella costruzione della propria identità artistica, confermando una scrittura autentica e una forte capacità di raccontare le emozioni della sua generazione. A&R: Massimo Guidi.

Social
Instagram: https://www.instagram.com/chiedo_edochi
TikTok: https://www.tiktok.com/@chiedo26

Nelle strofe, Nartico racconta ancora una volta la disillusione della Generazione Z nei confronti del futuro, tra incertezze, aspettative disattese e difficoltà quotidiane. Nel ritornello, però, emerge con forza una possibile risposta: affrontare la vita con il sorriso, la determinazione e la capacità di rialzarsi che da sempre contraddistinguono Gianni Morandi.

«Gli insegnamenti di Gianni – spiega l’artista – diventano il punto di riferimento di un movimento immaginario che invita a credere nel futuro e nell’importanza di mantenere uno sguardo positivo sulla vita, anche nei momenti più difficili».

Il brano è scritto e composto da Nartico e Francesco Morettini, le chitarre sono suonate da Antonello D’Urso e dallo stesso Nartico.

Il mix e mastering è firmato da Mixtreme Studio, mentre la distribuzione è affidata ad Artist First.

La produzione artistica è curata da Casamusica per Gravità Edizioni. Il videoclip ufficiale, girato a Bologna e realizzato in collaborazione con LENERGIA S.p.A., è diretto da Luzeh.

BIOGRAFIA

Nartico debutta in televisione partecipando a programmi come Propaganda Live, Telethon, Porta a Porta e altre trasmissioni in onda su Rai 1, Rai 2 e LA7.

Esordisce discograficamente con “Il mondo per 10 minuti” e ottiene visibilità radiofonica grazie a “Tempi Moderni”, entrato in rotazione su Radio Zeta e Radio Italia Trend. Successivamente pubblica “Il Bologna in Champions League”, brano diventato virale sui social e particolarmente apprezzato dai tifosi del Bologna FC 1909.

Viene scelto da Vincenzo Mollica per interpretare le canzoni contenute nel vinile “Tre canzonacce leggere come frescacce”. Nel corso della sua carriera si esibisce sui principali palchi dedicati alla musica emergente e viene selezionato come open act per Arisa.

Fa parte del cast di BellaMà, il programma di Rai 2 condotto da Pierluigi Diaco e dal 2024 è membro della Nazionale Italiana Cantanti.

Partecipa inoltre alla serie “Creatives”, distribuita su Amazon Prime Video, accanto a Luca Ward, Barbara De Rossi, Le Donatella e Michelangelo Vizzini.

Autore e produttore di brani che hanno totalizzato milioni di visualizzazioni e ascolti sulle piattaforme digitali, collabora con artisti come Saimon, I Camaleonti, Bobby Solo, Ginevra Lamborghini e Stefania Orlando.

È inoltre il volto dello Zecchino d’Oro, per il quale conduce spettacoli e contenuti dedicati all’intrattenimento per famiglie. A dicembre 2025 ha co-condotto, insieme a Cristina D’Avena, Topo Gigio e Mìmi, gli speciali natalizi dello Zecchino d’Oro in onda su Rai 1.

LINK UFFICIALI

Instagram: https://www.instagram.com/nartico_music/

YouTube: https://www.youtube.com/c/Nartico

Spotify: https://open.spotify.com/artist/0n4CvtLLn3sfHhszvVrcZy

TikTok: https://www.tiktok.com/@nartico

Facebook: https://www.facebook.com/nartico.music

Il singolo è prodotto da NF Records per Astralmusic, con arrangiamenti e direzione artistica a cura di Nicola “Nik” Messori, in collaborazione con Francesco Mignogna. La copertina e il progetto grafico sono firmati Digital Design, mentre la foto di copertina è di Licia Carpi. Il management è affidato a Francesca Mercury.

Il videoclip, realizzato da Simone Gazzola, riporta lo spettatore nella dimensione autentica del live: un vero e proprio racconto visivo che cattura l’energia e le emozioni del contatto diretto tra musica e pubblico, immerso nell’atmosfera intima di un music club. Girato a Bologna presso il Bravo Caffè, storico locale della scena musicale italiana, il video restituisce tutta la forza espressiva dell’esperienza dal vivo.

Il Tour 2026 “Your Time Is Now” — che dà anche il nome all’ultimo EP — porta il rock energico di Nicola Ferrari sui palchi di tutta Italia, tra collaborazioni di rilievo e nuovi brani presentati in anteprima.

Videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=IBLHpLzEWAc

Biografia

Nicola Ferrari nasce a Sassuolo il 16 ottobre 1990. Fin da giovanissimo sviluppa una profonda passione per la musica, lasciandosi ispirare da band come Green Day, Oasis e Red Hot Chili Peppers, ma anche dai grandi protagonisti del rock degli anni ’70, tra cui Led Zeppelin e Rolling Stones.

Durante gli anni del liceo fonda la sua prima band, con cui si esibisce come cantante e chitarrista nei locali e nei festival tra Reggio Emilia e Modena. Dopo un iniziale periodo dedicato alle cover, il progetto evolve rapidamente verso la produzione di brani inediti, interamente scritti da lui.

Dopo quasi dieci anni di attività con il gruppo, nel 2014 intraprende un nuovo percorso artistico, approfondendo lo studio del canto e della chitarra presso accademie private. Negli anni successivi dà vita prima a un duo e successivamente avvia la carriera solista, che rappresenta oggi la sua dimensione espressiva principale.

A febbraio 2025 pubblica il suo primo album “Again”, composto da 14 tracce e anticipato da un EP di sei brani uscito nel novembre 2024. Parallelamente, prosegue un’intensa attività live, che considera il momento più autentico di connessione con il pubblico: «È sul palco che la musica vive davvero, ed è lì che posso condividere ciò che sento».

Autore e compositore di tutti i suoi brani, Nicola Ferrari sviluppa uno stile personale che unisce energia, introspezione e melodia. Attualmente è al lavoro sul nuovo album, anticipato dall’uscita di cinque singoli pubblicati a cadenza mensile e che comprenderà anche i brani presenti nell’ultimo Ep.

Instagram: https://www.instagram.com/nicolaferrari.music/

Facebook: https://www.facebook.com/nicolaferrari.music

Management: Francesca Mercury - mercurymusic230@yahoo.it;

Marco Mori – radiorossamanagement@gmail.com

Ufficio stampa e promo radio: Giovanni Germanelli – info@germanelli.com

Astralmusic: 0731814981 – email: segreteria@astralmusic.it

]]> https://www.germanelli.com/lone-soul-e-il-nuovo-singolo-di-nicola-ferrari/feed/ 0 https://www.germanelli.com/la-mia-canzone-e-il-nuovo-singolo-di-giulia-pasion/ https://www.germanelli.com/la-mia-canzone-e-il-nuovo-singolo-di-giulia-pasion/#comments Fri, 19 Jun 2026 12:26:40 +0000 https://www.germanelli.com/?p=8341 “Le lacrime di ieri sono solo un ricordo“

“La mia canzone” è il nuovo singolo di Giulia Pasion, un brano che segna una tappa importante nel percorso artistico della giovane cantante genovese e che rappresenta, più di ogni altro, la sua identità musicale e personale.

Caratterizzato da sonorità pop contemporanee e da un’energia coinvolgente, il brano, pubblicato per Nadir Music, nasce da un rapporto profondo con la musica, vissuta non soltanto come forma espressiva, ma come elemento essenziale della propria esistenza. Attraverso un racconto autentico e diretto, Giulia ripercorre il proprio cammino artistico e umano, fatto di sacrifici, ostacoli e crescita personale.

Nel testo emerge con forza il messaggio di rinascita racchiuso nel verso “le lacrime di ieri sono solo un ricordo”, simbolo di una maturazione che trasforma le difficoltà del passato in nuova consapevolezza. La dimensione autobiografica si apre così a una riflessione universale sulla resilienza, sulla determinazione e sul coraggio di inseguire i propri sogni.

Nel ritornello, la musica diventa metafora di libertà e riscatto: un respiro ritrovato, una forza capace di abbattere ogni limite e di spingere l’artista verso nuove sfide. “La mia canzone” è un invito a credere nel proprio talento, a non rinunciare alla propria voce e ad affrontare il futuro con autenticità e passione.

Lyrics video: https://youtu.be/_K7LPhEXCqA?is=jengvv7W0zE2asCE

Biografia

Nata a Genova il 18 maggio 2004, Giulia Pasion è un’artista italo-ecuadoriana che unisce nel proprio percorso canto, composizione, recitazione, danza e conduzione. La sua passione per l’arte si manifesta fin dalla prima infanzia, dando vita a un percorso formativo multidisciplinare che negli anni le ha permesso di sviluppare una personalità artistica completa e versatile.

Nel 2019 pubblica il suo primo inedito, “Me metí en tu corazón”, premiato come “Canzone dell’Anno” ai Latin Milan Music Award, segnando l’inizio della sua attività discografica.

Nel 2023 viene riconosciuta come Miglior Talento Giovanile di Genova, mentre nel 2024 ottiene il prestigioso riconoscimento di High Quality Artist al The European Music Contest, svoltosi presso l’Auditorium Little Tony di San Marino. Nello stesso anno riceve il Premio alla Carriera Artistica al Cóndor Internacional Gold Award, conferma di un percorso costellato da numerosi successi e attestati di stima.

Nel corso della sua carriera si è esibita in importanti manifestazioni nazionali e internazionali, tra cui il Milano Latin Festival, distinguendosi anche in occasioni istituzionali di grande rilievo. Durante il Festival dell’Immigrato ha interpretato sia il Canto degli Italiani sia l’Inno Nazionale dell’Ecuador, mentre nel 2025 è stata invitata a esibirsi presso Palazzo Tursi a Genova davanti alle autorità cittadine. Con l’uscita di “La mia canzone”, Giulia Pasion inaugura una nuova fase del proprio percorso artistico, confermando una crescita costante e una visione musicale sempre più personale e internazionale.

Social e streaming

YouTube: https://youtube.com/@giuliapasion

Instagram: https://www.instagram.com/giulia.pasion

Facebook: https://www.facebook.com/giuliapasion

TikTok: https://www.tiktok.com/@giuliapasionofc

Spotify: https://open.spotify.com/artist/7KUeOpyQZw2ZhE3UHSMLSC

Attraverso sonorità moderne e coinvolgenti, il pezzo alterna ritmo incalzante e aperture melodiche capaci di restituire tutta la tensione, la confusione e il trasporto emotivo che nascono quando l’amore entra in crisi. La linea melodica accompagna l’ascoltatore in un vortice di emozioni, riflettendo la frenesia di una discussione ma, allo stesso tempo, evidenziando la profondità del sentimento che lega i protagonisti.

«Le scuse non sono soltanto parole – spiega l’artista campano – ma il tentativo sincero di far comprendere quanto lei sia importante e quanto la sua assenza mi faccia sentire perso».

Con “Ho perso la testa”, Marco Sentieri offre così uno spaccato autentico, diretto e contemporaneo delle dinamiche sentimentali, raccontando le fragilità, gli errori e il bisogno di riconciliarsi che spesso caratterizzano un rapporto d’amore vero.

Multilink: https://marcosentieri.lnk.to/Hopersolatesta

Biografia

Nato a Napoli e cresciuto a Casal di Principe, Marco Sentieri si avvicina alla musica sin da giovanissimo: a soli 12 anni muove i primi passi negli studi di registrazione.

A 16 anni si trasferisce a Roma per approfondire il proprio percorso artistico, fonda la sua prima band e raggiunge le fasi finali di Sanremo Rock. Tornato in Campania a 18 anni, dà vita a un nuovo progetto musicale e inizia un’intensa attività live che lo porta a esibirsi in tutta Italia.

Nel 2016 si apre per lui un’importante parentesi internazionale: partecipa a X Factor Romania e conquista la vittoria in due festival internazionali.

La svolta arriva nel 2019 con “Billy Blu”, brano dedicato al tema del bullismo, con cui vince la finale di Sanremo Giovani, ottenendo l’accesso al Festival di Sanremo nella sezione Nuove Proposte. L’artista si classifica al terzo posto, ricevendo il consenso della critica e degli addetti ai lavori, che lo indicano come una delle rivelazioni più significative dell’edizione.

Dopo l’esperienza sanremese, Marco Sentieri prende parte a numerose trasmissioni Rai, tra cui Storie Italiane, Rai Italia e Leggerissima Estate.

Negli ultimi anni continua il suo percorso discografico pubblicando nuovi singoli e portando la sua musica dal vivo in Italia e all’estero insieme alla sua band, consolidando un’identità artistica autentica e riconoscibile.

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Promo radio e ufficio stampa: Giovanni Germanelli – GERMANELLI.COM (info@germanelli.com)

Il brano, disponibile dal 7 giugno nelle principali piattaforme digitali, unisce sonorità latin-pop, atmosfere tropicali e un ritornello immediato che conquista fin dal primo ascolto. Tra mojito, tequila, samba e notti infinite sotto le stelle, la canzone racconta un amore leggero e passionale vissuto senza pensieri, con tutta l’energia dell’estate italiana.

Con un beat moderno e radiofonico -spiegano i frontmen Alessandro Scatizzi e Tommaso Flauto- “Balla Bella” è pensato per far ballare: perfetto per radio, playlist estive, beach party e live club. Il ritornello esplode con un’energia positiva e travolgente, creando un mix irresistibile di emozione, festa e romanticismo. La colonna sonora ideale dell’estate firmata Linea 43.

Biografia

Nel panorama musicale contemporaneo, sempre più orientato all’immagine e all’identità visiva, nasce Linea 43: un progetto discografico che sceglie deliberatamente di sottrarre, anziché mostrare.

Prodotto da Stefano De Donato, storico membro dei Dirotta su Cuba, con la collaborazione di Marco Ciappelli, autore di numerosi successi, il progetto nasce sotto l’etichetta Gateone Records e si sviluppa attorno a un concept “ghost”: l’identità degli interpreti rimane volutamente nascosta, lasciando che sia esclusivamente la musica a parlare.

A dare ulteriore profondità al progetto sono le voci: interpreti con oltre vent’anni di esperienza, professionisti della musica che scelgono, in questo contesto, di mettere da parte il proprio nome per aderire a una visione artistica più ampia e collettiva. Linea 43 si propone così come un esperimento culturale oltre che musicale: un invito all’ascolto libero da pregiudizi, in cui l’assenza di immagine diventa spazio per l’immaginazione.

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“Muoio di fame” racconta l’ambizione, il desiderio di rincorrere i propri obiettivi senza compromessi e la necessità di trasformare quella tensione in energia. Un brano diretto e viscerale, che conferma l’identità sonora della band tra rock contemporaneo, attitudine live e scrittura emotiva.

«Il brano nasce dalla nostra fame di futuro, dalla voglia di inseguire e addentare gli obiettivi che ci siamo prefissati, senza scendere a compromessi», raccontano i NovaBlue.

La prima bozza del pezzo prende forma nel gennaio 2025 durante un ritiro creativo in Toscana: una stanza, una chitarra acustica, un basso e un cartone della pizza trasformato da Gem in una percussione improvvisata. È lì che Cris, Cami, Simo e Gem hanno costruito la prima versione di quello che sarebbe poi diventato “Muoio di fame”.

Il videoclip ufficiale, diretto da Daniel Maggio, è stato girato a Milano e accompagna il brano con un immaginario urbano ed essenziale, in linea con l’urgenza espressiva della band.

I NovaBlue sono: Camilla Di Donato (voce), Gabriele Motta (chitarra), Simone Grassi (basso), Davide Gemini (batteria).

BIOGRAFIA

I NovaBlue si impongono sulla scena nazionale con la vittoria della 38ª edizione di Sanremo Rock & Trend 2025, conquistando il palco del Teatro Ariston con il brano “Caino”. Nel 2026 proseguono il loro percorso approdando alla finale del Festival di San Marino per l’Eurovision, consolidando con forza identità e visione artistica.

Nati a Milano nel 2024, i NovaBlue incarnano l’immaginario più autentico della rock band contemporanea: quattro ragazzi poco più che ventenni cresciuti tra sale prove e garage, uniti dalla stessa urgenza espressiva e dalla volontà concreta di costruire il proprio spazio sui palchi.

Il progetto nasce dall’incontro tra una scrittura introspettiva e un forte impatto live, dando vita a un sound rock mainstream contemporaneo capace di fondere energia, immediatezza e influenze pop e alternative.

Il nome NovaBlue richiama la supernova blu: una stella che esplode ma continua a brillare anche dopo la sua fine. Un’immagine simbolica che rappresenta il cuore della loro musica, fatta di cicatrici emotive, cambiamenti inevitabili e tensione verso una possibile rinascita.

Nel 2025 pubblicano l’EP “Prima della Fame”, anticipato dai singoli “NovaBlue”, “Placido” e “Caino”, consolidando una direzione artistica coerente e riconoscibile. Parallelamente costruiscono una solida dimensione live con circa trenta concerti nei principali club della scena milanese, tra cui Legend Club, Magazzini Generali e Hard Rock Cafe Milano.

Attualmente la band è al lavoro sul primo album ufficiale, progetto destinato ad ampliare ulteriormente il loro universo sonoro e narrativo, mantenendo al centro quella costante tensione tra sogno e realtà che definisce la loro identità.

TEAM

Chettiserve MGMT — info@chettiserve.com
Lupo Barbini
Daniel Maggio

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Biografia

Le canzoni dei Love Ghost hanno un tocco emo e poetico, affrontando spesso di petto traumi e problemi di salute mentale. Selezionati per Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), si sono esibiti dal vivo in 4 continenti. Si sono esibiti al Warp Tour di Los Angeles con Wiplash nel 2025. In Messico, hanno collaborato con artisti come Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko e altri. A livello globale hanno collaborato con The Skinner Brothers (Regno Unito), Rico Nasty e un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto il plauso di riviste prestigiose come Rolling Stone (oltre 10 volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash magazine, Alternative Press e molte altre. Hanno recentemente concluso la tappa europea del loro tour da head-liner per supportare l’album “Anarchy and Ashes”, esibendosi in Austria, Polonia, Svizzera, Germania e Regno Unito.

Website: https://www.loveghost.com

Apple Music: https://music.apple.com/us/artist/love-ghost/345566313

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Con il nuovo singolo “Quello che Sento” (ParoleSuoni/Radio Rossa Records), Sara Femme apre le porte del suo mondo interiore attraverso un brano intenso, autentico e profondamente personale. La canzone, scritta insieme a Dario Bonelli e registrata presso Sun Idea Studio, affronta temi delicati e universali come la difficoltà di esprimere le proprie emozioni, il bullismo e il bisogno di conquistare una vera libertà emotiva.

Fin da bambina, Sara ha imparato a nascondere ciò che provava. In questo brano trasforma esperienze vissute in prima persona in musica, dando voce a fragilità, paure e ferite spesso rimaste in silenzio. Il ritornello — “Vorrei gridare forte quello che sento” — racchiude il desiderio di liberarsi finalmente dai propri blocchi interiori e di esprimere senza paura ogni emozione, positiva o negativa.

Per l’artista, il canto rappresenta una vera forma di terapia: uno spazio sicuro in cui lasciare emergere sentimenti trattenuti troppo a lungo. Tra i versi più significativi del brano spicca “Quando amerai ti sbloccherai”, una frase che racconta la forza dell’amore e la possibilità di sentirsi finalmente accolti, compresi e liberi di essere sé stessi accanto alla persona giusta.

“Quello che Sento” è un brano che unisce vulnerabilità e forza, invitando chi ascolta a non avere paura delle proprie emozioni e a trasformare il dolore in consapevolezza e crescita personale. Il videoclip è stato realizzato da Diego Strippoli e Simone Italiano (coreografia Camilla Zorzolo): https://youtu.be/TuvLK3QZ1M4

Sara Femme si avvicina alla musica durante il lockdown del 2020, trasformando la passione per il canto in un vero percorso artistico. Studia presso l’Accademia Vocal Care di Danila Satragno a Savona e partecipa a diversi camp formativi, dove ha l’opportunità di confrontarsi con importanti professionisti del panorama musicale italiano, tra cui la cantautrice Federica Abbate e il produttore Vladi Tosetto. Negli anni Sara si esibisce in numerosi live tra Savona, Loano e Sanremo, prendendo parte anche a diversi concorsi musicali, tra cui “Romeo e Giulietta” e “Fatti Sentire”, esperienze che contribuiscono alla costruzione della sua identità artistica. È vincitrice a Genova del “Premio Compilation” nell’ambito del concorso “Promuovi la tua musica”, tenutosi il 22 marzo 2026.

Accanto alla musica, l’artista ligure coltiva fin da piccola una forte passione per la danza. Inizia il suo percorso artistico a soli quattro anni presso Danza Studio di Varazze, studiando danza classica, modern e jazz fino ai diciannove anni. Durante questo periodo partecipa a uno stage del Russian Ballet di Genova, consegue il diploma di terzo livello in danza classica e prende parte con successo a numerosi concorsi nelle diverse discipline.

Oggi Sara Femme unisce musica e danza in uno stile personale e riconoscibile, portando nel panorama musicale un sound contemporaneo ispirato al reggaeton. Sonorità energiche e coinvolgenti si fondono con testi profondi e autobiografici, capaci di raccontare esperienze reali e trasformare anche il dolore in energia pura da vivere e ballare.

Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/artist/6GLKlPkNDKSitsXv5x56hE

Instagram: https://www.instagram.com/sarafemme_music

Tik Tok: https://www.tiktok.com/@sarafemme?_r=1&_t=ZN-91B1KkxlOqc

Facebook: https://www.facebook.com/Sarafeelingmyself

Ambientata tra cieli rossi e mare blu, la canzone racconta un amore sospeso nel tempo, fatto di gesti semplici e promesse fragili. Il brano si sviluppa su una produzione pop dalle sfumature elettroniche leggere, capace di sostenere un racconto emotivo intimo e universale.

“Restami addosso”, già disponibile in tutte le piattaforme digitali, è costruita su immagini evocative — il sole che tramonta, la sabbia che scivola, le onde che parlano — diventando metafora di un legame che continua a vivere anche oltre la distanza.

Il ritornello, diretto e memorabile, racchiude il cuore del brano: il desiderio di trattenere qualcuno, di restare impressi l’uno nell’altro come un’estate che non si dimentica.

Con questo singolo, Carlo Audino conferma una scrittura sensibile e visiva, capace di trasformare emozioni personali in un linguaggio condiviso.

Videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=YkO8vRtInRM

Nato nel 1964, Carlo Audino inizia a suonare la chitarra nel 1979 seguendo le orme del padre Antonio. Nel giro di pochi mesi comincia a scrivere i primi brani ispirato, oltre che dagli altri cantautori, soprattutto da Ivan Graziani, Lucio Battisti e Mango. Negli anni successivi partecipa ad innumerevoli festival e concorsi musicali durante i quali entra in contatto con altri artisti suoi coetanei. Nel 1996 e 1997 è all’Accademia della Canzone di Sanremo con un giovane e spaesato amico di allora: Tiziano Ferro. Nel frattempo crea uno studio di registrazione per poter fissare le proprie emozioni, migliorando le sue qualità di arrangiatore e tecnico del suono. Suona in maniera continuativa con band più o meno improvvisate e in duo in moltissimi pianobar e pub, soprattutto di Roma e provincia, ma anche di Milano, Londra e generalmente del Kent (UK). Nel 2012 un gravissimo incidente stradale lo rende disabile e per continuare a suonare la chitarra è costretto a modificarne radicalmente la tecnica: vi riesce grazie alla forza di volontà e l’amore per la musica. Dal 2021 ha iniziato a pubblicare le sue canzoni. Finalista nel concorso Marche in…Canto nel 2025, Nel 2026 si esibisce a Sanremo Unlimited presso Casa Sanremo.

Link:

https://carloaudino.it/

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https://open.spotify.com/intl-it/artist/67lsVndBoiZORqZdHSCoQl

È disponibile su tutte le piattaforme digitali e in radio per Ebim Records “Autostrada”, il nuovo singolo di Marco Dal Farra, scritto e prodotto insieme all’autore Luca Sala.

“Autostrada” è una ballad pop intensa e malinconica, dalle sonorità contemporanee contaminate da sfumature retrò e vintage. Il brano racconta i ricordi di un amore estivo ormai finito, attraverso immagini quotidiane che diventano simboli emotivi di nostalgia e perdita.

Il protagonista si ritrova a guidare senza una meta precisa, attraversando strade che riportano alla mente viaggi condivisi, esperienze vissute e momenti che sembravano eterni. Ogni dettaglio — dalla segnaletica agli autogrill — si trasforma in un frammento di memoria, in un colpo al cuore.

L’autostrada diventa così metafora dell’amore stesso: un viaggio continuo fatto di soste, smarrimenti, ripartenze e attese. Un percorso capace di farci sentire bloccati e vulnerabili, ma anche pieni di speranza e desiderio di ritrovare la strada verso casa.

“Sei l’uscita per il mare in agosto” è il verso che meglio sintetizza l’anima del brano: il pensiero costante di un grande amore che resta dentro, come le interminabili code ai caselli estivi, sospese tra impazienza, nostalgia e aspettativa.

Marco Dal Farra è autore, musicista, speaker radiofonico, attore e doppiatore. Nato e cresciuto tra le Dolomiti Bellunesi, porta nella sua musica le inquietudini, i conflitti e le fragilità di una generazione cresciuta tra due millenni, segnata dai profondi cambiamenti sociali e comunicativi introdotti dalla tecnologia. Il suo percorso artistico attraversa cantautorato, indie e pop, con uno stile personale che unisce introspezione emotiva e sensibilità contemporanea. Parallelamente alla musica, frequenta l’accademia di doppiaggio Ward Lab di Roma e lavora come speaker radiofonico. Ha inoltre preso parte a diverse produzioni cinematografiche come figurazione e collabora in ambito teatrale come attore e aiuto regista.

Link:

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Link al brano: https://orcd.co/nicolatemporale

Intervista:

“Temporale” non parla solo di amore, ma anche di rapporti tossici in generale. Pensi che oggi sia più difficile riconoscere certe dinamiche? 

Navigando sui social è facile vedere comportamenti tossici etichettati come “dolci”, “premurosi” o “romantici”, e penso che questa cosa sia molto preoccupante. Più in generale, credo che siamo inseriti in una società in cui molti atteggiamenti tossici, spesso legati alla gelosia all’interno di una relazione, vengano ormai considerati normali, quasi inevitabili, quando in realtà non dovrebbero esserlo.

Musicalmente il pezzo cresce di intensità fino a trasmettere tensione e vulnerabilità. Come avete lavorato alla produzione per ottenere questo effetto? 

È stato bellissimo lavorare insieme ai Gemelli Cosentino. Abbiamo avuto l’idea di differenziare molto l’intensità delle strofe da quella del ritornello, per separare la parte più quotidiana e narrativa dalla parte dello “spronare”, in cui la canzone cresce e cerca di trasmettere la speranza che qualcosa possa davvero cambiare.

Qual è stato il momento più difficile o più emotivo durante la scrittura del brano? 

Sicuramente descrivere i dettagli di una relazione controllante, in cui la persona non si accorge di come, piano piano, tutte le libertà le vengano tolte per puro egoismo del partner. Mi colpisce molto anche vedere quanto soffrano le persone attorno, che cercano inutilmente di mostrare una via d’uscita a chi sta vivendo quella situazione. È qualcosa che ho avuto modo di vedere da vicino e che mi tocca profondamente.

C’è una frase di “Temporale” a cui sei particolarmente legato? 

“troppe gocce da ingoiare”. Penso sia una delle parti più delicate del brano, perché parla dei tentativi di calmare quel dolore interno. Quelle “gocce” rappresentano il prezzo da pagare per smettere di soffrire: smettere anche di sentire, di provare emozioni.

Hai scelto sonorità pop contemporanee ma molto intime: quali artisti o influenze ti hanno ispirato maggiormente in questo singolo? 

Artisti come Shawn Mendes e Sam Smith mi hanno sicuramente ispirato, sia per lo stile musicale sia per il modo profondo ed emotivo con cui riescono a raccontare certe situazioni nei loro testi.

Biografia

Nicola Arisi, bresciano classe 2000, coltiva la passione per la musica fin dall’infanzia. Cresciuto tra il pop internazionale, le colonne sonore di Disney Channel e l’influenza musicale del padre — chitarrista in una tribute band dei Foo Fighters — sviluppa presto una forte sensibilità artistica e una naturale inclinazione verso la scrittura.

Inizia a cantare in giovane età, trasformando progressivamente quella passione in un percorso sempre più consapevole. Durante l’adolescenza nasce anche l’esigenza di scrivere brani originali, dando forma attraverso la musica a emozioni, esperienze personali e intuizioni melodiche. Le prime demo vengono realizzate in autonomia, in modo spontaneo e autentico, per poi evolversi grazie alla collaborazione con producer e studi di registrazione.

Il suo stile si ispira al pop moderno internazionale, con influenze che spaziano da Katy Perry a Charlie Puth. Negli ultimi anni, Nicola ha scelto di esprimersi anche in lingua italiana, trovando una dimensione ancora più personale e diretta nel raccontare sé stesso e le proprie emozioni.

Nel corso del suo percorso artistico ha partecipato a diverse esperienze live e concorsi, tra cui Area Sanremo e il Concorso Mia Martini, venendo selezionato a livello provinciale. Esperienze che gli hanno permesso di crescere artisticamente, confrontarsi con il palco e consolidare la consapevolezza che la musica rappresenti la sua vera strada.

Per Nicola Arisi, cantare e scrivere non sono soltanto una passione, ma il mezzo più autentico per esprimere la propria identità e creare connessioni sincere attraverso la musica.

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Ama dire che scrive canzoni «per sincerità… e per risparmiare sull’analista».

L’intervista a Nùma:
Dopo l’album “Chiacchiere da bar”, in che direzione senti stia evolvendo oggi il progetto NÙMA?

Chi viene dal paese sa che dopo ‘Chiacchiere da bar’ è difficile alzarsi da quel tavolino. Anche io ci ho messo un po’. Adesso però mi sento più maturo, più concentrato. Sto imparando a nuotare dentro questa nuova fase, portando con me una personalità che nasce dalle mie origini e che prova a dialogare con la modernità. Per scherzare dico spesso che è anche perché ci sono sempre meno bar come li intendo io — quelli con le carte, il fumo delle sigarette, i quartini — e allora tocca adattarsi e fare anche pezzi da lounge bar… ahaha.

3 aggettivi per descrivere la tua musica

Profonda, sottile, leggera.

La collaborazione con Francesco Morettini è ormai consolidata: qual è il punto di forza del vostro rapporto artistico?

Credo che il punto di forza sia proprio Francesco. Nonostante una carriera di successi, è rimasto una persona cristallina, pura, sempre pronta ad accettare nuovi inviti, senza mai parlare dall’alto di un sapere acquisito, ma con l’interesse vivo di chi sta ancora scoprendo.
Io porto il mio mondo e lui lo accoglie per quello che è, un po’ sgangherato, mi dà consigli sinceri ma mai giudizi. Entrambi abbiamo un’inclinazione per le cose vere, senza orpelli e ghirigori.
Lo vedo quando un’idea gli si accende negli occhi: mi fa pensare che anche lui, come me, sia sempre in cerca di una scintilla, di qualcosa che muova l’aria.
Siamo come due zanzare in una stanza: ci piace pizzicare le persone con i testi, ma forse, in fondo, da quella stanza stiamo solo cercando una via d’uscita.

Con quale artista ti piacerebbe collaborare in futuro e perché?
Ce ne sono due, uno è Simone Cristicchi a cui ho dedicato anche un pezzo “Quando canta Simone Cristicchi” perché lo vedo portatore di una poesia che m’incuriosisce e che mi piacerebbe approfondire. L’ altro invece è Marco Pische, perché ancora non sà di essere un artista.

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Official visualizer: https://youtu.be/yETZQf5b9VU

Qual è il messaggio principale che speri arrivi a chi ascolterà “Sempre Noi”?

Il messaggio è quello di tenere duro e continuare a lottare per ciò che si ha davvero a cuore. Non bisogna mai partire dando per scontato che sia tutto finito. Alcuni legami magari fanno solo un giro più lungo, ma restano lì. Serve solo un po’ di volontà e la capacità di non arrendersi troppo in fretta.

Dopo collaborazioni, quanto conta per te il confronto artistico con altri musicisti?

Per me è fondamentale. Il confronto è uno dei motori principali della crescita artistica e personale. Ogni collaborazione ti porta a vedere le cose da un’altra prospettiva, ad arricchire il tuo bagaglio e a contaminarti in senso positivo. È anche per questo che cerco sempre di mettermi in gioco in contesti diversi e ricchi!

Il tuo stile unisce istinto pop e raffinatezza compositiva: quali artisti o influenze senti più vicini al tuo mondo musicale?

Sono davvero tante e molto diverse tra loro, difficile ridurle a poche. Vado dal funk al pop, dall’indie alle ballad, spesso anche nello stesso momento. In questo senso devo molto alla mia famiglia, che mi ha permesso di crescere in un ambiente senza barriere o pregiudizi, non solo musicali ma anche di pensiero. Mi sento davvero molto libero da questo punto di vista.

Il visualizer ufficiale accompagna il brano con immagini evocative: quanto conta per te l’aspetto visivo nella narrazione musicale?

Oggi l’aspetto visivo, secondo me, è diventato praticamente indispensabile. La musica non si limita più all’ascolto: le persone vogliono entrare dentro un immaginario, vivere una storia oltre che una canzone. Un visualizer o un videoclip dovrebbe funzionare quasi come un piccolo film, capace di amplificare l’emozione del brano.

Guardando al futuro, questo singolo anticipa un nuovo progetto più ampio, come un EP o un album?

Sì. “Sempre Noi” è il primo passo verso il mio primo album, in uscita nei prossimi mesi. È la chiusura di un percorso iniziato anni fa che finalmente trova

Biografia

Stefan Quinto, all’anagrafe Stefano Giaquinto (Modugno, Bari, 1995), è un cantautore e polistrumentista pugliese. Dopo la formazione accademica in batteria e percussioni jazz presso il Conservatorio di Matera, debutta nel 2021 con i singoli Heroes e To You partecipando a diversi festival ed eventi, seguiti dall’elettrizzante Lovers On Fire (Terzo posto 2MariSong festival, premio miglior brano radiofonico Appulive 2024) Nel 2023 pubblica Fantàsia, primo brano in italiano, che lo porta alle fasi finali di Area Sanremo e con cui inaugura il suo primo tour “Fantàsia24″. Nel 2024 pubblica i singoli Romantica raggiungendo testate giornalistiche ed emittenti nazionali quali Rai Radio1. Successivamente collabora con Francesco Cavallo alla stesura di Endless Night oltre a Like A Dream con Perry & Fledger. Nel 2025 arriva alle selezioni finali del Festival di Castrocaro presentando il singolo Come Va, Va. La sua musica, autentica e introspettiva, unisce istinto pop e raffinatezza compositiva, raccontando storie universali con uno stile personale e riconoscibile.

L’intervista:

Neiki, dopo “vetroresina” stai preparando il tuo primo disco: questo singolo anticipa in qualche modo il tuo nuovo percorso artistico?

NEIKI: “Grazie per la domanda. Sono in uscita con un disco in periodo autunnale, stiamo lavorando ogni singolo giorno. Il brano sarà certamente incluso e, senza voler fare troppi spoiler, sarà un tassello importante della narrazione. Musicalmente, non ci sono tracce che gli somigliano all’interno della raccolta: ciascun brano sarà unico nel proprio genere”.

DECI, dopo l’album “METROPOLI” e le nuove collaborazioni, in che fase del tuo percorso senti di essere oggi?

DECI: “oggi sono in una fase di lavorazione su di me e sul nuovo progetto, mi auguro vivamente di riuscire a tradurre in fatti e canzoni tutto ciò che la mia testolina pazzoide mi sta suggerendo di fare; al momento ci sto riuscendo, quindi sono contento”.

Quanto è importante per due artisti emergenti fare rete e collaborare nella scena musicale italiana attuale?

NEIKI: “Decisivo. Alla fine ciò che è bello di un percorso artistico sono soprattutto le amicizie che si riescono a suggellare, e come farlo meglio se non con una traccia in collaborazione?
Questa è la risposta bella, c’è anche una risposta più bruttina che vede le collaborazioni come uno dei modi fondamentali per incrementare lo spotlight (limitato) che viene ahimè giustamente riservato a noi artisti emergenti”.

Vi piacerebbe portare “ciò che amavo di te” dal vivo insieme? Avete già immaginato come potrebbe essere la performance?

DECI: “succederà esattamente a Milano presso – Stazione Radio – Venerdì 29 Maggio 2026 in occasione di una delle mie 3 date di questo mini tour di METROPOLI”.

Se doveste descrivere “ciò che amavo di te” con una sola immagine o una sola parola, quale sarebbe?

NEIKI: “una foresta di emozioni”.

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Il brano, come tutto l’ album,  è interamente suonato e prodotto dall’ artista e parla di una tematica a cui Anthony Roxx è particolarmente legato: la depressione e il lavoro, soprattutto interiore che serve per uscirne fuori.

Roxx è un cantante/chitarrista rock sardo, attivo nella scena rock e metal dell’isola, noto principalmente per il suo ruolo come voce e chitarrista in diversi progetti musicali locali e per le sue collaborazioni con band emergenti della scena rock sarda.

Il suo stile principale è rock e hard rock, con influssi che spaziano dal grunge alle sonorità metal, evidenti sia nel lavoro con le band sia nei suoi contributi vocali e strumentali nei vari progetti.

Di seguito il link al video di “Out Of The Cage”: https://youtu.be/HIiLAiMVuY8?si=lSDJZEprtklvpexf

Videomaker and graphics : ‪@macca_graphics

Seguiranno aggiornamenti

Antony Roxx web

IG: anthonyroxx_official

Spotify: Anthony Roxx Experience

YouTube: Anthony Roxx

La band VIA AD MORTEM ha rilasciato il 15 Maggio in formato digitale e fisico, l’ album di debutto “Requiem I: Through the Path Over The Ruins” tramite la label Northern Darkness rec.

VIA AD MORTEM è la nuova realtà black metal italiana al suo debutto discografico con la rinata etichetta Northern Darkness rec. con l’ album  “Requiem I: Through the Path Over The Ruins” che si muove tra la furia primordiale di Spite Extreme Wing e le atmosfere contemplative di Drudkh. Il progetto affonda le proprie radici nel concetto di morte, non soltanto come evento fisico, ma come dissoluzione spirituale e intellettuale. Tradizioni esoteriche, cicli cosmici, necromanzia e rifiuto del modernismo si intrecciano in una visione sincretica che evita dogmi e sentenze. “Requiem I: Through the Path Over The Ruins” non pretende di insegnare: vuole evocare. Nel caos del materialismo contemporaneo, i VIA AD MORTEM riaffermano il black metal come arte, spiritualità e filosofia.

L’album è stato registrato presso gli studi “Death Lab” di Mattia Nidini, il mix & mastering è curato sempre da Mattia Nidini.

Artwork: BerserkRitual productions

Logo: Christophe Szpajdel (Lord of the Logos)

Di seguito la tracklist

The First Steps Towards the Unknown

Through the Path…

Worshipper of Death

Muchita, Night in Lima

Into the Bardo

Voragine di Luce

Over the Ruins

Rib for a Rib

The Grace of Gnosis

Link al lyric video “Worshipper of Death” https://youtu.be/d6BR3yosU5U?is=Js6Vgvl89yc1tu9D

Via ad Mortem line up

Hiems Silens: guitars, bass

Gibil: drum

Santamuertero Sinister: vox

Via ad Mortem web

Bandcamp https://viaadmortem.bandcamp.com/album/requiem-i-through-the-path-over-the-ruins

Facebook – Via ad Mortem

Instagram – viaad_mortem

Big Cartel https://viaadmortem-shop.bigcartel.com/

Northern Darkness rec. web

Info e Mail: label@northerndarkness-records.com

Web Site: www.northerndarkness-records.com

Eseguita sia in spagnolo che in inglese la canzone costruisce un ponte emotivo e sonoro che fonde la grinta alternative con un’estetica più accessibile, evocando atmosfere che ricordano gruppi come i Fontaines D.C. e la musica indie latina contemporanea.

Attraverso il suo testo, carico di vulnerabilità, desiderio e contraddizione, il brano ritrae quel momento specifico in cui l’amore fa male, eppure diventa impossibile lasciarlo andare.

Link Spotify: https://open.spotify.com/intl-it/album/5HU9AAdjXEynXjdaKHyCmr

Biografia

Love Ghost combina alternative rock, grunge, metal, pop-punk, acustica, hard rock e altri generi. I testi delle canzoni hanno un tocco emo e poetico, affrontando spesso traumi e problemi di salute mentale in modo diretto.

Selezionati per Rockpalast (trasmesso in tutta la Germania), hanno suonato dal vivo in 4 continenti. Si sono esibiti al Los Angeles Warp Tour con Wiplash nel 2025. In Messico, hanno collaborato con artisti come Wiplash, Adan Cruz, Ritorukai, Blnko, El Burger e molti altri.

A livello globale hanno collaborato a brani con The Skinner Brothers (Regno Unito), Rico Nasty e a un intero album con SKOLD. Hanno ottenuto pubblicazioni da RollingStone(in cui sono apparsi più di 10 volte), Sonic Seducer, Playboy, Time-Out Mexico, Clash magazine, Lyrical Lemonade e molti altri.

Ultimamente i Love Ghost hanno pubblicato l’ep “Anarchy and ashes”. Hanno suonato in diverse città europee nel tour a supporto dell’ep.

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Nato da embrionali demo chitarra e voce, il disco prende forma attraverso arrangiamenti capaci di intrecciare influenze cantautorali, rap e rock, costruendo un equilibrio originale tra la spigolosità dei testi e l’estrosità della componente musicale.

Una sezione ritmica dinamica e ricercata insieme all’acidità di chitarre e sassofoni danno vita a un lavoro crossover eterogeneo, ma coerente nella visione e nell’attitudine. A fare da collante tra i brani è la voce di Ferretti, elemento centrale di un racconto sonoro intenso e diretto.

La produzione artistica è stata affidata a Frankie Wah dei Little Pieces of Marmelade — già chitarrista di Manuel Agnelli — con l’obiettivo di ottenere un suono sporco ed essenziale, asciutto e crudo, capace di restituire autenticità e tensione emotiva alle tracce.

“Dalle nostre parti” nasce prima di tutto da un’urgenza espressiva: mettere in relazione le proprie contraddizioni con quelle del presente, senza la pretesa di offrire risposte definitive o modelli da seguire. Il disco si muove all’interno di un tempo storico che semplifica, consuma e distrae, interrogandosi sul ruolo dell’artista in una società che promette libertà mentre alimenta nuove forme di dipendenza.

Attraverso le sue canzoni, Ferretti osserva un sistema che svuota l’individuo attraverso modelli illusori e una libertà sempre più vicina a una forma di schiavitù normalizzata. In questo contesto, il progetto rifiuta ogni funzione consolatoria: non rassicura, non educa, non indica soluzioni. Espone invece dubbi, frizioni e responsabilità individuali.

Consapevole dei propri limiti, Ferretti non si propone come portavoce né come figura salvifica. L’assenza di risposte diventa una scelta di onestà artistica: comprendere le dinamiche del presente è forse l’unico modo per non esserne completamente assorbiti.

Cultura, consapevolezza e senso di responsabilità emergono così come possibili forme di resistenza al malessere contemporaneo. Anche senza l’illusione di cambiare il mondo, Ferretti rivendica la necessità di continuare a interrogarsi, esporsi e dare un nome al disagio del nostro tempo. “Dalle nostre parti” nasce da questa tensione: un disco che non cerca consenso, ma consapevolezza.

L’album è stato registrato, mixato e prodotto da Frankie Wah per Astralmusic; mastering a cura di Guido Andreani.

Biografia

Ferretti è un cantautore marchigiano di 28 anni, con una formazione di stampo teatrale. Il suo progetto musicale pone al centro la scrittura e una forte matrice recitativa, fondendo tradizione cantautorale, rap e rock. In studio e dal vivo è accompagnato da una band essenziale; i suoi concerti si distinguono per una marcata dimensione rituale, alimentata dall’energia e dalla veemenza di un uso viscerale del corpo e della voce. Dopo l’uscita di alcuni singoli, il percorso artistico si è concretizzato con l’EP 23:32, pubblicato a luglio 2023 e presentato dal vivo sui principali palchi delle Marche, tra cui Mind Festival e Fool Festival. Nel 2023 Ferretti è finalista a Musicultura, vince Rock Targato Italia al Rock’n’Roll di Milano e apre i concerti di artisti come Emma Nolde, Nitro, Little Pieces Of Marmelade e Finley. Nel 2026 esce il suo primo album “Dalle nostre parti”. Le foto ufficiali sono di Caterina Urbani.

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G&J sono un duo definito dalla loro intesa, dove voci morbide, atmosfere rilassate ed emozioni autentiche si fondono in modo naturale. Dopo il successo del singolo “Live & Learn”, brano entrato ai vertici delle classifiche indipendenti raggiungendo il 2° posto su iTunes Svizzera ed ottimi piazzamenti in Europa, consolidano la loro identità attraverso la rinnovata collaborazione con il produttore discografico e direttore creativo Pedro Lopez (fondatore di TNP Records), già architetto sonoro della loro precedente hit. Il loro ultimo singolo, “Livin’ It Up”, racchiude il loro stile distintivo: una produzione musicale dalle marcate influenze R&B, arricchita da sonorità nostalgiche e dal calore del suono analogico. Le voci si fondono in un mood super chill, restituendo un sound internazionale, fresco ma immediatamente riconoscibile. Con ogni uscita, i G&J invitano l’ascoltatore nel loro mondo, guidato dalla visione di TNP Records, fatto di vibrazioni, connessione e musica che arriva in modo naturale.

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Dopo il successo del videoclip del brano “Sogno d’Oriente”, edito da Novalis Music e capace di superare il milione di visualizzazioni, e l’ottimo riscontro ottenuto con “Soltanto tu”, Sara Tommasi torna sulla scena musicale con un nuovo singolo estivo, realizzato insieme a Alex So.

DJ veneto e direttore artistico di Radio SorRriso TV (gruppo Klasse Uno), Alex So ha incontrato Sara Tommasi a fine febbraio 2026 a Sanremo, durante il Festival di Sanremo. Da quell’incontro nasce “Pazza estate”, un brano coinvolgente dal ritmo reggaeton, scritto da Nicola Ursino e Alex Poloni e interpretato dal duo.

La canzone racconta la leggerezza e l’energia della bella stagione, evocando il desiderio di innamorarsi e lasciarsi andare alla passione e alla spensieratezza che solo il sole e il mare sanno regalare.

A supporto del singolo è stato realizzato un videoclip vivace e ricco di colori, in cui Sara Tommasi ha scelto di indossare un autentico costume anni ’60 appartenuto alla sua amata nonna, aggiungendo così un tocco personale ed emozionale al progetto.

Il videoclip è stato prodotto da DL Production di Cesena, con la regia di Davide Legni e il management di Antonio Orso, anche marito della Tommasi.

“Pazza estate” è prodotta da Novalis Edizioni Musicali.

Videoclip: https://www.youtube.com/watch?v=6aEOOwVZ4yU

Sito Sara: www.saratommasi.net

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© & ℗ Novalis Music – Rimini ( https://www.novalis.it  )

Management: Antonio Orso – Milano/Roma/Sharm el-Sheikh (IG: https://bit.ly/4n99IPK  – antonio.orso@live.it )

The Saifam Group annuncia l’ingresso di Gianni Testa nel ruolo di Arts Strategic Project Manager, una figura strategica che contribuirà allo sviluppo e alla gestione di nuovi progetti artistici ed editoriali all’interno del gruppo.

Direttore Artistico di Joseba Label e Presidente di Joseba Publishing, Gianni Testa porterà la propria esperienza e visione nel percorso di crescita di The Saifam Group, con l’obiettivo di costruire iniziative condivise in ambito discografico, editoriale e formativo.

La partnership nasce da una visione comune orientata alla realizzazione di progetti solidi, innovativi e riconoscibili, capaci di valorizzare l’identità artistica dei talenti coinvolti e di rafforzare il posizionamento sul mercato attraverso un approccio integrato e strutturato.

In questo scenario si inserisce anche il nuovo accordo editoriale con Joseba Label, che opererà in co-edizione con The Saifam Group per sviluppare nuove opportunità, consolidare relazioni professionali e contribuire alla creazione di un ecosistema sempre più forte nel settore musicale ed editoriale.

Questo ingresso rappresenta un ulteriore passo nel percorso di espansione e consolidamento di The Saifam Group, confermando la volontà del gruppo di investire in progettualità di valore, partnership strategiche e percorsi artistici capaci di guardare al futuro con visione e concretezza.

The Saifam Group conferma così il proprio impegno nel promuovere nuove forme di cooperazione tra discografia, editoria e formazione, mettendo al centro competenze, identità e sviluppo artistico.

“Il mio ingresso in The Saifam Group come Arts Strategic Project Manager nasce da una visione chiara: costruire percorsi, non inseguire occasioni. Lavoreremo per sviluppare progetti solidi, innovativi e con una forte identità artistica, capaci di crescere nel tempo e generare valore reale. In questa direzione si inserisce anche la sinergia editoriale con Joseba Label, che entrerà in co-edizione con Saifam Group per rafforzare il posizionamento sul mercato attraverso una visione unica e integrata. Accanto alla produzione, daremo sempre più spazio anche alla formazione, con l’obiettivo di creare un sistema capace di accompagnare gli artisti in ogni fase del loro percorso.” (Gianni Testa – Arts Strategic Project Manager The Saifam Group)

“Lavorare con Gianni è molto stimolante: la sua creatività, unita a una visione concreta dei progetti, porta energia e nuove prospettive a tutto il team. Questa partnership nasce da una forte condivisione di intenti e sono certo che potrà dare vita a progetti importanti, solidi e capaci di crescere nel tempo.”

(Simone Farina – Presidente The Saifam Group)

Nella foto da sinistra: Cristina Zoccatelli, Gianni Testa, Simone Farina, Luigi Maria Brescia

THE SAIFAM GROUP possiede un catalogo editoriale costituito da oltre 58.000 brani di artisti nazionali ed internazionali tra cui: LAURA PAUSINI, EROS RAMAZZOTTI, FRANCESCO GABBANI, MARCO MENGONI, ERMAL META, RENATO ZERO, ANGELO BRANDUARDI, RON , TOSCA, CHIARA GALIAZZO, MODÀ, IVANA SPAGNA, FABRI FIBRA, CLUB DOGO, GUÉ PEQUENO, EMIS KILLA, MONDO MARCIO, ANASTASIO, BORO & MAMBOLOSCO, RIGHEIRA, PITBULL, FEDER, BRONSKI BEAT, VEGAS JONES, RICH THE KID, DELEGATION, CRYSTAL WATERS, ALEX GAUDINO, CRISTIAN MARCHI, DEEP SWING, THE OUTHERE BROTHERS, BILLY MOORE e molti altri.

A lanciare l’EP è il singolo “Incancellabile”, già in rotazione radiofonica da venerdi 1 maggio: un brano intenso che racconta un incontro capace di restare impresso nei pensieri, anche senza un motivo apparente. Una presenza che ritorna, che sfugge alla logica e sulla quale non abbiamo alcun controllo: semplicemente, incancellabile.

Il lyric video di “Incancellabile”, realizzato da Simone Gazzola, segna l’inizio di una nuova direzione visiva, caratterizzata da un approccio grafico e fotografico d’autore.

Lyrics video: https://youtu.be/bVooK3q1icY

L’intero progetto è prodotto da NF Records per Astralmusic, con la consulenza artistica e gli arrangiamenti di Francesco Mignogna e le chitarre di Francesco Sozzi. Le voci sono state registrate presso Art Distillery (Modena), mentre grafica e image design sono a cura di Digital Design.

Trackilist EP “Your time is now”:

I will never stop

Your darkside

Incancellabile

I ricordi lontani

Luce per me

Bring back the light

Multilink: https://link.astralmusic.eu/your_time_is_now_nicola_ferrari

Biografia

Nicola Ferrari nasce a Sassuolo il 16 ottobre 1990. Fin da giovanissimo sviluppa una forte passione per la musica, ispirandosi a band come Green Day, Oasis e Red Hot Chili Peppers, ma anche ai grandi del rock anni ’70 come Led Zeppelin e Rolling Stones. Durante gli anni del liceo forma la sua prima band, con cui si esibisce come cantante e chitarrista nei locali e nei festival di Reggio Emilia e Modena, passando da una fase di cover band alla produzione di brani inediti interamente scritti da lui. Dopo quasi dieci anni di attività con il gruppo, nel 2014 intraprende un nuovo percorso artistico, approfondendo lo studio del canto e della chitarra presso accademie private. Negli anni successivi forma prima un duo, poi intraprende la carriera solista, sua attuale dimensione artistica. A febbraio 2025 pubblica il suo primo album “Again”, composto da 14 tracce, preceduto da un EP di sei brani uscito nel novembre 2024. Nicola è costantemente impegnato in tour, perché considera il live il momento più autentico di connessione con il pubblico: “È sul palco che la musica vive davvero, e che posso condividere quello che sento.” Il Tour 2026 “Your Time Is Now” porterà il suo rock energico in tutta Italia, con importanti collaborazioni e nuovi brani in anteprima. Nicola Ferrari è autore e compositore di tutti i suoi testi e delle sue musiche, con uno stile che unisce potenza, introspezione e melodia.

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